Jay Stocker (Daniel Day-Lewis)
ou la souffrance d’un soldat perdu. DR

C’est une campagne vert sombre sur laquelle passent des nuages lourds et souffle un vent fort. Un paysage à perte de vue que la caméra balaye pour plonger, à travers la cime des arbres, sur un homme qui coupe du bois à deux pas de sa petite maison en pierre. Ailleurs, dans une petite ville, un autre homme va se mettre en route. « Je pars quelques jours » dit-il à son fils tandis que son épouse, dans une robe de chambre rose, le regarde, sombrement, enfourcher sa moto. L’homme fonce sur la route à travers la lande avant d’entrer dans des chemins boueux au bout desquels il camouflera son engin sous des branchages. Sur un bout de papier, dans sa poche, il a une longitude et une latitude. Le motard va rejoindre le petit cabanon où Ray Stocker mange des sardines à même la boîte. Ray a empoigné une hachette mais, aux accents du Solitude de Black Sabbath, il va faire du thé pour ce visiteur qu’il ne connaît que trop bien.
Car voilà dix ans que Ray Stocker s’est exilé au coeur d’une forêt reculée d’Angleterre, coupé du monde et de sa famille. Jem Stocker est venu renouer le contact. Pour Ray, après une décennie de silence, c’est l’heure de se confronter à son drame, à ses traumatismes, à ses secrets…
Titulaire de pas moins de trois Oscar du meilleur acteur (pour ses interprétations de Christy Brown dans My Left Foot en 1989, de Daniel Plainview dans There Will Be Blood en 2007 et d’Abraham Lincoln dans Lincoln en 2012), Daniel Day-Lewis est reconnu pour l’intensité dramatique de son jeu. Le comédien britannique de 68 ans n’était plus apparu sur le grand écran depuis 2017 et sa performance en couturier de luxe plutôt torturé dans le Phantom Thread de Paul Thomas Anderson. A l’époque, l’acteur avait annoncé qu’il se retirait du monde du cinéma.

Jay et Jem (Sean Bean) se retrouvent
longtemps après… DR

Anémone – Les racines du mensonge marque donc son retour dans un drame sombre et intrigant qui est (doublement, sur l’écran et dans la vie) une affaire de famille. C’est en effet Ronan Day-Lewis qui signe, ici, son premier long-métrage de cinéma en offrant à son père le rôle de Ray, le soldat perdu. « Pour lui, dit le cinéaste, disparaître est la seule façon de surmonter son traumatisme. Il s’est infligé une vie difficile, une vie d’ascète, en se fondant presque dans la nature. Il se réfugie dans cette nature sans artifice, dans la survie pure, ainsi que dans les contraintes physiques extrêmes qu’il s’impose chaque jour…. »
Quand, dans sa masure, on découvre Ray, l’homme semble s’être imposé une sorte de mort spirituelle. Ce type est un reclus en pleine nature, surveillant, probablement la tête dans ses souvenirs, les anémones de son jardin. Avec beaucoup de difficulté d’abord, avec même une véritable hostilité de la part de Ray, Jem va amener son aîné à mettre des mots sur ses souffrances. Avec surprise, consternation et enfin rage, Jem mesurera le calvaire de Ray.
Le film repose sur la révélation des drames vécus par ce soldat traumatisé de la guerre en Irlande du Nord mais aussi sur les sévices subis auprès d’un prêtre. Pour livrer ces moments tragiques ou absolument sordides (y compris dans la manière terrible dont Ray se vengera du religieux), le cinéaste a choisi de confier les longs monologues de Ray à un Daniel Day-Lewis dont la caméra scrute au plus près les traits.

Nessa (Samantha Morton)
s’inquiète pour Brian. DR

Capable de tout jouer, de l’aristocrate au voyou, le comédien excelle dans ces récits… Et on comprend bien que ce retour au grand écran était dû à la présence de son fils derrière la caméra mais aussi à la qualité de ce que l’acteur pouvait défendre.
Artiste peintre largement exposé à l’international, Ronan Day-Lewis a signé des courts-métrages et des clips, réalisant notamment une trilogie vidéo pour Les enfants terribles de Philip Glass, interprétées par Katia et Marielle Labèque. Ici, il s’attache au thème de la fratrie pour en explorer la complexité, la versatilité, l’intimité, montrer comment ces relations peuvent basculer de l’amour à la fureur en quelques instants.
S’il fait du cinéma, dit le cinéaste, c’est pour ouvrir des portails vers d’autres mondes. Anémone distille aussi des atmosphères fantastiques et très picturales. Le directeur de la photo Ben Fordesman s’est appuyé sur le passé de peintre de Ronan Day-Lewis et son usage récurrent du bleu, tournant fréquemment durant « l’heure bleue » crépusculaire, entre le jour et la nuit pour réussir des scènes au clair de lune qui prolongent les errances nocturnes de Ray et Jem. Passent ainsi une forme humaine en glace luminescente ou encore un gigantesque poisson mort glissant dans une rivière…

Jay dans son jardin. DR

Anémone est un film exigeant qui demande au spectateur une particulière disponibilité. A ce prix, on peut cheminer dans les pas de ces types pathétiques et paumés, vétérans de sales guerres, bien incarnés par Daniel Day-Lewis toujours habité et par Sean Bean en taiseux Jem.
Dans quelques scènes qui emportent le spectateur loin de la masure ou des vastes espaces de nature et de plages dans lesquels les deux frères évoluent, on retrouve une petite cité comme on en voit dans les films de Stephen Frears ou de Ken Loach. C’est là que vit Nessa (Samantha Morton, vue dans In America en 2003, The Whale en 2023 et bientôt dans The Odyssey de Christopher Nolan), la femme de Jem et la mère de Brian (Samuel Bottomley), un jeune adulte complètement perturbé par le fait de ne plus savoir qui est son père. Sur une moto, Ray reviendra vers les siens. Réussira-t-il à renouer les liens ?

ANEMONE – LES RACINES DU MENSONGE Drame (Grande-Bretagne – 2h06) de Ronan Day-Lewis avec Daniel Day-Lewis, Sean Bean, Samantha Morton, Samuel Bottomley, Safia Oakley Green. Dans les salles le 25 mars.

Jean Luchaire (Jean Dujardin)
et sa fille Corinne (Nastya Golubeva). DR

Une jeune femme à la mine souffreteuse couvre sa tête d’un foulard et chausse des lunettes sombres. Nous sommes à Paris en 1948 et cette mère d’une petite Brigitte sort de son immeuble pour rejoindre un parc où sa fillette joue dans un bac à sable. Deux hommes qui la guettaient, la suivent et la molestent, la jetant à terre tout en l’insultant. Elle n’aura la vie sauve que grâce à l’intervention d’une voisine et d’un agent de police. « Il faut aller porter plainte ! » Mais la jeune femme ne veut pas entendre parler de la police… Sa voisine, récemment émigrée du Chili avec son mari, lui confie le magnétophone dont elle se sert pour ses consultations d’orthophoniste.
Dans une certaine confusion de sa mémoire, Corinne Luchaire va alors tenter, dans une suite de flash-backs, de retrouver le fil des événements d’une sinistre odyssée vécue, dans la France occupée, au côté de son père…
Si le cinéma français s’est souvent penché sur la période de l’Occupation et largement sur la place de la Résistance, il s’est beaucoup moins attaché à la collaboration. Il faut ainsi remonter à 1974 et à Lacombe Lucien pour avoir une œuvre forte sur le sujet. Le film fit du bruit. En questionnant l’héroïsme de l’engagement au regard du hasard des circonstances, Louis Malle provoqua une imposante polémique qui l’amena, d’ailleurs, à quitter la France pour aller travailler, dix ans durant, à Hollywood.
Réalisateur de productions populaires comme Quand j’étais chanteur (2006) ou Marguerite (2015) mais aussi de films d’auteur comme A l’origine (2009) ou L’apparition (2018), Xavier Giannoli a signé, en 2021, avec Illusions perdues, une belle adaptation de Balzac. On y croisait l’ambitieux Lucien de Rubempré qui constate que « tout s’achète et se vend, la littérature comme la presse, la politique comme les sentiments, les réputations comme les âmes… »

Jean Luchaire dans la salle de rédaction
des Nouveaux temps. DR

Avec cette fresque historique dans la France sous la botte allemande qu’est Les rayons et les ombres (le titre fait référence au recueil éponyme de poèmes de Victor Hugo), le cinéaste pourrait aisément reprendre certains traits de Rubempré pour les appliquer à Jean Luchaire. Giannoli a fait le choix de raconter l’aventure de Jean Luchaire à travers le regard et les souvenirs de sa fille Corinne.
Né en 1901 dans une famille bourgeoise, Jean Luchaire se consacre, après avoir assisté à la montée du fascisme en Italie, au journalisme en France. Il s’oppose au traité de Versailles qu’il juge injuste pour l’Allemagne. Humaniste et homme de gauche, Luchaire se fait, dès les années 1920, le promoteur d’un rapprochement entre la France et l’Allemagne. C’est dans cette perspective qu’il soutient la politique extérieure de pacification européenne d’Aristide Briand. A cette époque, Luchaire, devenu ami avec l’Allemand Otto Abetz, oeuvre pour l’amitié franco-allemande. Aucun d’eux n’a alors d’attirance pour le nazisme. Mais l’arrivée au pouvoir d’Hitler en Allemagne en 1933 va progressivement faire d’eux des complices objectifs du nouveau régime.
Luchaire est convaincu que l’établissement d’une paix définitive passe par une politique de conciliation entre les deux pays. En mars 1933 : il écrit « Européens, nous devons traiter avec les gouvernements européens quels qu’ils soient. (…) Stresemann nous était plus sympathique qu’Hitler mais Hitler, c’est l’Allemagne. (…) Au surplus, ce qui compte essentiellement à nos yeux, c’est la paix. La liberté n’est le plus précieux des biens qu’à condition de vivre. »

Otto Abetz (August Diehl),
du pacifiste au dignitaire nazi. DR

En 1937, Otto Abetz est expulsé de France. Il va réapparaitre, sous l’uniforme nazi, comme ambassadeur d’Allemagne à Paris (alors que le gouvernement français se trouve à Vichy), chargé d’une politique de collaboration entre le Troisième Reich et la France vaincue. Jean Luchaire fonde alors Les Nouveaux temps, organe de presse visant à soutenir la politique d’Abetz.
De son côté, Corinne, la fille aînée de Jean Luchaire, va faire parler d’elle sur la scène artistique. Remarquée au théâtre en 1937 dans Altitude 3200, une pièce écrite par son grand-père, elle est engagée à 17 ans par le réalisateur Léonide Moguy qui lui offre le premier rôle de Prison sans barreaux (1938). Fascinée par les ors du spectacle (elle admire Greta Garbo), elle tourne six films en deux ans, notamment avec Pierre Chenal ou Raymond Bernard. Mais la tuberculose, probablement héritée de son père, va mettre un terme à sa carrière.
A ce couple parfois étrange dans sa proximité, s’ajoute donc le personnage d’Otto Abetz, l’ami allemand et francophile de Luchaire aux heures exaltantes du pacifisme européen. Abetz rejoindra le NSDAP. Nommé à Paris, Abetz accolera son prénom à la Liste Otto des ouvrages interdits par la censure allemande. Il organise aussi l’expropriation des biens privés appartenant à des familles juives et fait main basse sur de prestigieuses collections d’art appartenant à de fortunés amateurs juifs…
Avec aisance (on ne voit pas passer les 195 minutes du film), Xavier Giannoli nous embarque dans l’histoire d’un duo fusionnel père-fille qui plonge dans la boue noire de la collaboration. Tandis que les nazis oeuvrent méthodiquement à leur projet, qu’une élite parisienne fréquente les fêtes gourmandes de l’ambassade allemande et que Céline se livre à ses délires, on suit ainsi Luchaire à la tête de son journal Les Nouveaux temps, jonglant avec les prises de position collaborationnistes et les problèmes d’argent. Flambeur, Luchaire est un séducteur, amateur de fêtes et collectionneur de femmes (on lui prête des liaisons avec de nombreuses comédiennes comme Marie Bell ou Mireille Balin) qui va aller au bout d’une trajectoire sordide qui lui vaudra d’être fusillé en février 1946 au fort de Châtillon.
Avec une image qui donne la prime aux couleurs froides sauf dans les lieux de débauche où Luchaire et Corinne se divertissent entre sexe, alcool et drogues, Les rayons et les ombres raconte une France nauséabonde, longtemps majoritairement acquises à l’État français de Pétain, ne l’oublions pas, où ces ignobles tristes sires semblent complètement hors-sol (même si Luchaire rend « de petits services » à de malheureuses familles juives) par rapport à une Occupation brutale et antisémite tandis que la tragique ombre de la Shoah s’élève sur l’Europe.

Corinne Luchaire, éphémère vedette du cinéma français des années trente et quarantaine. DR

A la fin de la guerre, Luchaire et sa fille fileront vers Sigmaringen, côtoyant une ultime fois Pétain ou Céline avant d’être arrêtés sur une route de Forêt-Noire en mai 1945. La malheureuse Corinne, elle, aura eu l’occasion de passer par un sanatorium où l’on lui inflige de douloureux pneumo-thorax avant d’être condamnée à dix ans d’indignité nationale.
Les rayons et les ombres dresse le terrible tableau de Français qui ont choisi, en toute connaissance de cause, le mauvais camp et qui s’y sont complu, se vautrant autant dans le stupre que dans la corruption. Mais Luchaire représente, lui, une forme d’élite intellectuelle, plus condamnable encore que les lamentables margoulins du marché noir. On entend le procureur au procès du journaliste affirmer « que les mots des salauds arment le bras des imbéciles ». Un propos qui a quelque chose de singulièrement contemporain !
Incarnant un Luchaire charmeur, matois et inquiétant, Jean Dujardin est remarquable. Tout comme le comédien allemand August Diehl, vu récemment dans La disparition de Josef Mengele, dans le rôle d’Abetz. La révélation du film, c’est Nastya Golubeva, 22 ans, la fille de Léos Carax, qui fait de Corinne Luchaire une femme-enfant comme en lévitation dans le chaos de l’Occupation.
Dans le Paris d’après-guerre, évidemment en butte à l’hostilité générale, la recluse Corinne (elle mourra en 1950 à 28 ans) voit un jour Léonide Moguy frapper à sa porte. Le cinéaste juif originaire d’Ukraine, lui dit : « Je ne te condamne pas, mais est-ce que tu as cherché à savoir ? » Devant le silence de Corinne, il ajoutera un très romanesque « Il nous reste le cinéma… »

LES RAYONS ET LES OMBRES Drame (France – 3h15) de Xavier Giannoli avec Jean Dujardin, Auguste Diehl, Nastya Golubeva, André Marcon, Chloé Astor, Lucie Vignolle, Olivier Chantreau, Anna Prochniak, Valeriu Andriuta, Philippe Torreton, Vincent Colombe, Maria Cavalier-Bazan, François de Brauer, Meherio Patoux, Elina Löwensohn. Dans les salles le 18 mars.

« La guerre… »: Audrey (Ana Girardot)
et Bruno (Olivier Gourmet) en négociation. DR

NÉGOCIATION.- « Trente minutes, les gars ! » Chez Derval, un centre commercial de province, c’est l’heure matinale où le personnel achève de charger les rayonnages. Audrey Dumont, cheffe de rayon, travaille aux yaourts… Elle suit aussi de près le travail de son frère Ronan qui, avec les 72 vaches de sa ferme, produit des yaourts bio… Et voilà qu’Audrey se retrouve propulsée à la centrale d’achat de son enseigne afin d’y défendre la filière bio et locale. Alors qu’elle fait équipe avec Bruno Fournier, un négociateur aux méthodes redoutables, Audrey, forte de ses convictions et prête à se battre pour elles, découvre un système impitoyable.
Assurément, Anthony Déchaux, dont La guerre des prix (France – 1h36. Dans les salles le 18 mars) est le premier long-métrage, apprécie le cinéma de Stéphane Brizé, le réalisateur de la « trilogie » La loi du marché (2015), En guerre (2018) et Un autre monde (2021). Et sans doute aussi, y a-t-il une source d’inspiration du côté d’un film comme Petit paysan (2017)… Car voici un film qui mêle, dans une veine très réaliste, les enjeux contemporains de la paysannerie française et, ceux, aussi méconnus que complexes, des grands groupes de l’agro-alimentaire.
Evoquant la naissance de son projet, le cinéaste se souvient : « En tant que comédien, je fais régulièrement des interventions de théâtre en entreprise pour y jouer des saynètes et animer des débats avec les salariés. Un jour, je me suis retrouvé à participer au séminaire annuel des acheteurs d’une enseigne de grande distribution. J’ai encore mot pour mot la formule d’introduction du directeur : « si on est réunis aujourd’hui dans cette salle, c’est pour savoir qui sont les requins et qui sont les requins-tueurs. Et nous, les requins, on n’en veut pas, ce qu’on cherche, ce sont les requins-tueurs ». Les interventions se sont enchainées tout au long de la journée dans la même veine. J’étais abasourdi par ce ton aussi décomplexé : « on veut du sang » ; « si un fournisseur sort content de sa négo, c’est que vous n’avez pas fait votre boulot » ; « le win-win, ça n’existe pas » … Il y avait là des centaines de personnes, et personne ne réagissait. Je suis sorti en me demandant ce que pouvaient bien penser tous ces gens : est-ce qu’ils sont tous ok avec cette logique, est-ce qu’ils ont le choix, est-ce que ça fait partie du folklore ? Le monde de l’entreprise, je le connais, j’ai évolué dedans pendant un temps, je sais qu’il peut être dur et violent. Mais là, c’était tout autre chose, je n’avais jamais entendu de tels discours… »

« La guerre… » Ronan (Julien Frison),
un fermier qui produit des yaourts bio. DR

En s’appuyant sur les codes du thriller, ce sont donc ces méthodes que raconte La guerre des prix. Avec, au coeur du propos, cette fille d’agriculteurs passée dans la grande distribution parce qu’elle n’avait pas envie de vivre ce qu’avaient enduré ses parents. Et que son frère vit encore. Mais l’univers de la centrale parisienne n’a rien, non plus, d’un long fleuve tranquille… Loin s’en faut.
Anthony Déchaux dit que son film n’est pas « un documentaire mais une fiction documentée ». De fait, même si on saisit pas tout dans ces négociations entre distributeur et fournisseurs, on mesure aisément que tous les coups sont permis. Et qu’il s’agit de frapper fort. Pour dire le vrai, on a parfois l’impression de voir s’affronter des mafieux de la meilleure eau. Quant à la box étanche dans laquelle se mènent les tractations, elle a tout des salles d’interrogatoire du FBI. Mais sans la glace sans tain. Quant au « code noir » (la menace de déréférencement complet), il a de singulières allures de racket.
Avec une belle énergie même si son personnage finit par douter, Ana Girardot se glisse avec aisance dans la peau d’Audrey Dumont. A ses côtés, l’excellent Olivier Gourmet compose, avec Bruno Fournier, un négociateur sans états d’âme qui lâche un « A la fin, c’est toujours une question d’argent » qui résume le fond du problème. En sortant de la salle, on a des frissons à l’idée d’aller dans une grande surface… A voir !

« Police Flash… »: Yvon Kastendeuch
(François Damiens », un flic à l’ancienne. DR

EIGHTIES.- Johnny Lansky est tombé. Mais ce n’est pas au champ d’honneur de la police nationale. Flic, Lansky l’était assurément mais c’était aussi une parfaite crapule qui en croquait allègrement avec les dealers qu’il devait traquer. Mais voilà, le mythique Lansky à force de pousser le bouchon trop loin, s’est fait fumer. Fin de parcours sur le marbre d’une morgue. Où son fidèle copain Yvon Kastendeuch pleure toutes les larmes de son corps. Tout en décidant de faire payer les auteurs du crime. Car Lansky, comme il est dit dans son oraison funèbre, était un vrai flic. Il buvait, fumait et roulait vite…
Cependant, pour contrer les méthodes « à l’ancienne » d’Yvon, son supérieur le propulse à la tête de Police Flash 80, une « unité d’élite » où il devra faire équipe avec Guilaine Roblot-Bernard, major de sa promo à l’école de police et… mère surmenée, Marfoud, un geek du minitel et Roberto, l’infiltré à la coupe mulet. Ensemble, ils vont tenter de démanteler un trafic de drogue qui se cache derrière les activités culturelles d’une MJC dirigée par le sémillant mais un peu trop charmant Luc Le Timal…
Avec Police Flash 80 (France – 1h21. Dans les salles le 18 mars), Jean-Baptiste Saurel signe une comédie policière vintage qui se déroule au mitan des années 80 alors que le trafic de drogue prend une réelle ampleur dans la capitale. Il lorgne pour cela du côté des films que Belmondo et Delon tournaient à cette époque-là. Un temps où les poulets avaient le calibre bien coincé dans la ceinture du jeans…
En racontant les aventures d’une brigade très improbable, le cinéaste s’amuse évidemment à faire des digressions sur notre époque. « Vous verrez, dit un flic, un jour, il y aura des guetteurs sur le toit des barres pour prévenir les dealers au bas des immeubles de l’arrivée de la police… »

« Police Flash… » : Luc Le Timal (Thomas Ngijol) et Guilaine (Audrey Lamy). DR

Tout cela supposait un gros travail de reconstitution. Les décorateurs, les costumiers, les accessoiristes, le maquillage, les coiffeurs avaient du pain sur la planche et ils s’en sortent à leur avantage. Evidemment, la bande-son du film est au diapason avec Nuit sauvage (« La nuit est chaude… ») des Avions, Paris Latino de Bandolero, Kolé Séré de Philippe Lavil, Etienne Etienne de Guesch Patti, Pas toi de Jean-Jacques Goldman ou Le lac du Connemara de Michel Sardou, le chanteur préféré d’Yvon Kastendeuch…
A propos de ce film allègre et marrant, Thomas Ngijol, père de l’idée originale, co-scénariste et interprète de Luc Le Timal, explique : « Ce projet, c’est une espèce de fantasme de jeunesse. J’ai toujours voulu créer un film de flics qui chassent un grand méchant et veulent éradiquer le fléau de la drogue. C’était le grand sujet des années 80, les intrigues terroristes n’existaient pas. »
Le grand plaisir de ce film jubilatoirement rétro, c’est évidemment de voir le brillantissime François Damiens en beauf complet, flic pourri et inconscient qui, à propos de son usage du code de déontologie, affirme qu’il « se torche avec… » Au grand dam de Guilaine (Audrey Lamy), Roberto (Xavier Lacaille) et Mafoud (Brahim Bouhlel) sans oublier Philippe Rebbot en commissaire bien ripou… Joyeusement ringard et pas mal nostalgique !

« Victor… »: Robert Zucchini (Fabrice Lucchini)
en scène. DR

PERE.- Robert Zucchini a tout d’un homme ordinaire. D’ailleurs, il va, tous les matins, à la boulangerie de son quartier parisien pour s’acheter son petit pain. Mieux, il bavarde avec la boulangère et sa jeune stagiaire. Mais quand Zucchini franchit les portes du théâtre, c’est un autre personnage qui naît ! Un comédien habité par l’oeuvre de Victor Hugo. Chaque soir, il remplit la salle et comble les spectateurs en leur transmettant son amour des mots. Parlant de la perte de Léopoldine, la fille de 19 ans ou évoquant avec fougue Booz endormi… « Ruth songeait et Booz dormait ; l’herbe était noire ;
Les grelots des troupeaux palpitaient vaguement ;
Une immense bonté tombait du firmament ;
C’était l’heure tranquille où les lions vont boire. »
Pourtant l’acteur semble aussi traîner une douce mélancolie lorsqu’il n’est pas en scène. Un jour, il apprend la disparition de celle qui fut autrefois sa femme et la mère de Lisbeth, cette fille qu’il a complètement perdu de vue. Et si c’était enfin le moment de renouer le lien ? Et si, pour une fois, aimer valait mieux qu’admirer ?
Victor comme tout le monde (France – 1h28. Dans les salles le 11 mars), c’est de l’absolu sur-mesure pour Fabrice Luchini, présent constamment à l’image. Du personnage de Robert Zucchini, le réalisateur Pascal Bonitzer dit : « Ce n’est pas Fabrice. C’est un personnage issu d’un monde parallèle. À la fois complètement lui et pas du tout. Il faut d’ailleurs dire un mot sur le spectacle qu’interprète Zucchini. Parce que l’on pourrait croire que le scénario a été écrit à partir du spectacle que Fabrice fait sur Hugo. Alors que c’est le contraire. Au moment de l’écriture du scénario, ce spectacle d’ailleurs prodigieux n’existait pas encore…. » Mais, et ce serait dommage, le film ne se prive pas de se servir des représentations de Fabrice Lucchini au Théâtre de la Porte Saint-Martin. Différentes soirées ont été enregistrées. Des moments spécifiques du spectacle, plus ou moins en rapport avec la fiction, ont été mêlés à des scènes écrites dans le scénario comme celle où Zucchini paraît sur le point de perdre la maîtrise de sa représentation, notamment à cause d’incidents comme la survenue de Lisbeth parmi les spectateurs.

« Victor… »: Zucchini et sa fille Lisbeth
(Marie Narbonne) à Guernesey. DR

Dans cette histoire écrite par Sophie Fillières avant sa disparition prématurée en 2023, Robert Zucchini est à la fois un petit peu Fabrice Lucchini et en même temps pas du tout lui puisqu’il s’agit bien d’une fiction. C’est justement ce jeu qui donne tout son charme à Victor comme tout le monde. Les fans de Fabrice Lucchini trouveront, ici, de quoi satisfaire leur passion et il en va probablement de même pour les amateurs de Victor Hugo. Auquel Zucchini/Lucchini rend un bel hommage quasiment lyrique.
Au final, voici un film en trompe-l’œil, un feuilleté temporel et imaginaire où les fictions s’interpénètrent. Entre Hugo et Zucchini, passé et présent, fantasmes et réalité, deux hommes perdus, chacun à leur manière, apparaissent drôles et mélancoliques, tendres et âpres. Et c’est touchant à souhait.

« Le crime… »: Colette (Laetitia Casta)
et François (Gilles Lellouche). DR

SUSPENSE.- François Tarnowski est écrivain et, dans son bel appartement parisien, il sort de son pyjama pour endosser les moustaches et les tenues 19^e siècle de son personnage principal, le marquis de la Rose, qui croise le fer avec de sombres individus. Sa compagne, Colette Courreau, enseigne le cinéma à la Sorbonne et s’est imposée comme une spécialiste de l’oeuvre d’Alfred Hitchcock. Un jour, un nouveau voisin s’installe en face de chez eux, un étage en-dessous. Yann Kerbec est un acteur qui joue Shakespeare dans un théâtre du 13^e arrondissement. Ils invitent ses nouveaux voisins à une représentation de son Hamlet. Colette est ravie. François ronchonne. Les choses vont prendre une inquiétante tournure lorsqu’à sa fenêtre sur cour, Colette voit Kerbec menacer et frapper sa femme…
Evidente déclaration d’amour au cinéma, Le crime du 3^e étage (France – 1h44. Dans les salles le 11 mars) est un joyeux exercice de style. Avec ses fulgurances bienvenues et, évidemment, ses limites.
« Comme dans tous les films qui mélangent plusieurs genres, dit le cinéaste, la complexité de ce projet a été surtout de bien doser l’humour, le suspense et la comédie romantique, ne pas privilégier un genre plus qu’un autre et trouver les bonnes transitions. Je me suis toujours senti plutôt à l’aise dans la tragi-comédie, j’aime désamorcer le drame par l’humour, passer du chaud au froid, mais là, la difficulté était d’y ajouter en plus une dose de suspense à la Hitchcock. »

« Le crime… »: Yann Kerbec
(Guillaume Gallienne). DR

De fait, le huitième long-métrage de Rémi Bezançon après de jolis moments de cinéma (Ma vie en l’air en 2005, Le premier jour du reste de ma vie en 2008 ou Le mystère Henri Pick en 2019), se veut un jeu de piste qui repose sur le fameux Fenêtre sur cour (1954). Un film-culte dans lequel Sir Alfred (on le voit passer dans le film comme dans ses propres rituelles apparitions) décide de ne jamais déplacer la caméra hors de l’appartement de Jeff (James Stewart), un reporter-photographe immobilisé dans un fauteuil roulant à la suite d’un accident. Tout comme Colette Courreau, Jeff voit ou croit voir un meurtre commis dans un appartement de l’autre côté de la cour. Le crime… est donc l’occasion de multiples hommages et clins d’oeil à Hitch.
Gilles Lellouche en écrivain quelque part entre Vidocq et Agatha Christie et Laetitia Casta en enquêtrice amateure se font manifestement plaisir. Hitch disait qu’il fallait filmer les scènes d’amour comme des scènes de meurtre et inversement. Ici, l’enquête menée par François et Colette va leur permettre de sortir de leur routine quotidienne et de donner un nouvel élan à leur couple.
Hitch, toujours lui, affirmait que plus le méchant est réussi, plus le film est bon. Guillaume Gallienne se charge donc de faire de son Kerbec un type suffisamment inquiétant. Quant au moment où François s’en va visiter l’appartement de Kerbec, c’est une séquence palpitante en forme de précis sur la manière dont Hitchcock considérait le suspense… Sympa.

« Il maestro »: Raul Gatti
(Pierfrancesco Favino). DR

PERIPLE.- A treize ans, Felice Milella, est un gamin qui tape durement dans la balle de tennis. Mieux (ou pire…), il porte aussi sur ses épaules les espoirs de Pietro, son père, ingénieur des télécoms, qui a tout imaginé pour que son fils devienne une star de la terre battue. Après des années d’entraînement intensif et de discipline stricte, l’heure est venue pour Felice de participer à des tournois nationaux de tennis. Pour maximiser les chances du gamin, son père le confie à Raul Gatti, qui se présente comme un ancien champion qui a tutoyé autrefois les sommets des compétitions nationales.
Nous sommes à la fin des années 80 (la b.o. aligne des titres eighties), c’est l’été et le temps des tournois. Quittant le cocon familial, « Feli » part sur les routes avec son nouveau coach. Pietro Milella, qui a mis tous ses moyens dans la rétribution de Gatti, tambourinait toujours : « Pas de risque, du jeu simple » tout en alignant les codes pour toutes les situations de jeu. « Les gosses de riches, c’est joli. Nous, c’est efficace… » Raul Gatti, lui, voit les choses de manière beaucoup plus libre. « Tu t’éclates comme ça ? » demande-t-il à un Felice très appliqué. Et puis si, avant de jouer au tennis, le gamin devait d’abord goûter aux bonnes choses de l’existence ? Raul ne répète-t-il pas : « La vie nous sourit ».
Avec Il maestro (Italie – 2h05. Dans les salles le 11 mars), le réalisateur Andrea Di Stefano voulait, dit-il, « célébrer les mentors imparfaits, des figures marquées par des passés douloureux, mais avec un grand cœur, capables de nous ouvrir les yeux et de changer nos vies… »

« Il maestro »: Felice (Tiziano Menicelli). DR

A la suite de « Feli » et de Gatti, le cinéaste italien, pour sa quatrième réalisation (après Paradise Lost en 2014, The Informer en 2019 et Dernière nuit à Milan en 2023) a donc imaginé une comédie « à l’italienne » dans la mesure où elle fait parfois songer aux Vitelloni felliniens (1953) ou plus évidemment encore au Fanfaron (1962) de Dino Risi. De fait, Raul Gatti, hâbleur aussi paumé que dépressif, a parfois les traits du Cortona incarné par Vittorio Gassman. Comme lui, Gatti est un dragueur joli coeur qui a tout raté. Pierfrancesco Favino, vu dans Romanzo criminale mais aussi dans Le comte de Monte Cristo, lui apporte une fragilité pathétique bienvenue.
Cependant Il maestro oscille entre le film de sport avec les sacrifices et la difficile ascension d’un jeune talent (Tiziano Menichelli) et le portrait d’un individu quasiment au bout du rouleau qui va croiser, sur son chemin, des personnages, et notamment des femmes (son ex-entraîneure, ses ex-compagnes), qu’il a clairement déçues… Même s’il y a de jolis moments dans ce périple, on reste pourtant sur notre faim.

« Le rêve… »: Jéremy (Raphael Quenard)
et Bouna (Jean-Pascal Zadi) à New-York.

BASKET.- Personne n’aurait parié sur Jérémy Medjana, coincé derrière le comptoir d’un vidéo club à Amiens, ou sur Bouna Ndiaye, lorsqu’il faisait des ménages à l’aéroport d’Orly. Sans contacts, sans argent et avec un niveau d’anglais plutôt approximatif, rien ne les prédestinait à devenir des agents qui comptent dans la NBA, la prestigieuse ligue américaine de basket-ball professionnel. Et pourtant ! Les deux amis croient à leur bonne étoile et plus encore à leur rêve américain. Malgré les obstacles, multiples et de taille, ces deux-là s’accrochent. Bien sûr, personne ne les attend outre-Atlantique. Et les agents de joueurs du cru sont plus enclins à les arnaquer qu’à leur faciliter la tâche. Mais le tandem a des atouts dans ses manches, y compris des joueurs français de talent. Reste maintenant à leur faire passer les fameuses « Drafts », ces moments annuels tant attendus où les franchises NBA sélectionnent des jeunes joueurs universitaires ou étrangers pour renforcer leurs effectifs…
Le rêve américain (France – 2h01. Dans les salles le 18 février) raconte une histoire vraie, celle de Bouna Ndiaye et Jérémy Medjana, deux agents de basket partis de rien et devenus en une quinzaine d’années, avec leur société Comsport, les premiers pourvoyeurs de talents français pour la NBA.
Connu pour des films comme Les gamins (2013), Robin des Bois, la véritable histoire (2015) et Play (2019), Anthony Marciano s’est donc emparé de cette belle histoire de réussite pour donner ce qui est, de toute évidence, un pur feel good movie doublé d’un joyeux buddie-movie. Le film fait en effet la part belle à deux personnages qui passent par tous les stades de la dépression (ils installent leur « bureau » à l’arrière d’un pressing chinois) comme de l’optimisme dans la poursuite d’un plan qui consiste tout bonnement à « exister » dans l’univers et le business (qu’on sent féroce) de la NBA.

« Le rêve… »: dans l’attente
des résultats de la Draft.
Photos Mika Cotellon

Pour cela, le cinéaste peut s’appuyer sur deux comédiens qui se donnent comme… des basketteurs sur un plateau de NBA. On a nommé Jean-Pascal Zadi et Raphaël Quenard qui portent Bouna et Jérémy avec verve tant dans leurs moments de grande naïveté que de belle exaltation. Les films sur ou autour du sport ne sont pas toujours de longs fleuves tranquilles. Si Marty Supreme est un succès, le Mercato avec Jamel Debbouze fut un rude échec…
On prend plaisir à suivre cette histoire dans laquelle on croise Nicolas Batum ou Rudy Gobert (enfin, les acteurs qui les incarnent) et où l’on aperçoit in fine l’ombre d’une star surnommée Wendy. Un success-story française ! Parce que «le bambou qui flanche est plus fort que le chêne qui résiste», non ?

Une fiancée (Jessie Buckley) en colère. DR

Du fond des ténèbres de l’au-delà, les mânes de Mary Shelley sont en colère. Bien sûr, elle a écrit le fameux Frankenstein ou le Prométhée moderne mais elle n’a pas pu écrire tout ce qu’elle voulait encore dire, emportée à 53 ans par une tumeur cérébrale. « Depuis des siècles, hurle-t-elle, j’essaye de faire sortir cette tumeur de ma tête… » Une histoire d’horreur, une histoire d’amour ? Quelque chose se fissure en elle. Il y a deux esprits au lieu d’un… Et la femme de lettres britannique (1797-1851) prévient : « Si Frankenstein vous a effrayé, ma prochaine histoire vous fera crier : à l’aide ! »
C’est par une séquence en noir et blanc qui n’a rien à envier au grand cinéma expressionniste allemand, pas plus d’ailleurs qu’aux premières œuvres de David Lynch, que s’ouvre The Bride ! D’emblée, Maggie Gyllenhaal va planter le décor d’une aventure horrifique qui relève du manifeste féministe sous le signe de « J’aimerai autant pas ».
C’est dans le Chicago des années trente, au fond d’un grand bar, que l’on fait la connaissance de la blonde et tonitruante Ida. Mais cette jeune femme-là, à laquelle un homme tente de faire avaler une huître, va la vomir avant d’être prise de convulsions. Cela ne l’empêche pas de se montrer menaçante envers un gros type en costumé rayé. Malheureusement pour la désobéissante Ida, Lupino est un ponte de la mafia. Autant dire que la blonde finira au bas d’un escalier, la nuque et le corps cassés de partout.
C’est aussi à Chicago que surgit de nulle part, un certain Frank, robuste gaillard qui cache son visage sous un large chapeau et une écharpe noire. Rongé par la solitude mais aussi un désir puissant pour une hypothétique compagne, cet homme vient frapper à la porte du docteur Cornelia Euphronious, une scientifique visionnaire. Si elle prend d’abord peur devant ce type qui lui explique qu’il voudrait avoir… un rapport, la toubib va accéder à la demande de Frank : lui créer une compagne.

Retour à la vie pour la fiancée. DR

Ensemble, dans un cimetière, ils récupèrent le corps martyrisé d’Ida et le docteur Euphronious, par un mélange de connections électriques, va ressusciter la jeune femme. Revenue, sans le savoir, d’entre les morts, la fiancée de Frank va goûter une nouvelle existence. Cette seconde vie va la propulser dans un maelström d’événements qui dépassent tout ce que le jeune couple aurait pu imaginer…
Pour sa seconde réalisation après The Lost Daughter (2021), un drame avec Olivia Colman en tête d’affiche, adapté du roman Poupée volée d’Elena Ferrante, Maggie Gyllenhaal met ici les petits plats dans les grands avec une production au solide budget de 80 millions de dollars.
Sur fond de meurtres et d’incessantes cavales façon Bonnie and Clyde, un couple hors-la-loi tente de vivre une histoire d’amour passionnelle et tumultueuse alors que tout s’oppose à leur idylle, y compris la détermination de la fiancée à faire tomber un mafieux qui a largement abusé (et tué) d’innocentes proies féminines. On ne sait si la cinéaste avait une petite idée (contemporaine) derrière la tête en écrivant son scénario. Mais clairement Maggie Gyllenhaal propose, ici, une relecture d’un grand mythe de la littérature puis du grand écran et en ciblant plus précisément La fiancée de Frankenstein que James Whale réalise en 1935. Mais si la fiancée de 1935, incarnée par Elsa Lanchester, n’a finalement qu’un rôle assez minime dans ce fleuron des Universal Monsters, il n’en va pas de même ici. On peut le constater dès le titre… d’où Frankenstein disparaît au profit d’un point d’exclamation qui n’a rien d’anodin. Pour la cinéaste, il symbolise l’explosion de la voix de cette femme qui, plus qu’une simple création monstrueuse, revient avec des désirs et des intentions propres. Ni Ida, ni Penny jolie, ni la fiancée de Frankenstein, elle est juste la fiancée. Et surtout elle est une meneuse qui n’entre pas dans les cadres qu’on voudrait, y compris son amoureux transi de Frank, lui assigner.

En cavale avec Frank (Christian Bale). DR

La fiancée mène le bal et devient l’égérie d’un mouvement social aussi radical que débridé, dans lequel, au cri de « Attaque cérébrale », les femmes se font sa tête. Crinière blonde, sourcils décolorés, teint pâle, lèvres noires et tatouage sombre au coin de la bouche.
Révélée au grand public en 2002 avec La secrétaire, histoire d’une secrétaire dans un petit cabinet d’avocat qui découvre, avec une certaine volupté, les plaisirs de la fessée, Maggie Gyllenhaal alterne une carrière majoritairement arty avec quelques échappées plus grand public comme Chassé-croisé à Manhattan (2006), World Trade Center (2006) ou en reprenant au pied levé le rôle de Rachel Dawes dans The Dark Night (2008).
Comme cinéaste, elle offre, avec The Bride !, une œuvre très foisonnante (qui semble certes partir parfois dans tous les sens) mais qui a le mérite de ne jamais ralentir. La photographie de Lawrence Sher (responsable des images des deux Joker et couronné d’un Oscar de la meilleure photo pour le premier) est impressionnante. Quant à l’histoire, elle fait la part belle au cinéma d’antan et au musical siglé Busby Berkeley, avec des clins d’oeil aussi à Cabaret ou à L’ange bleu, la fiancée donnant une version personnelle de Falling in Love Again sans oublier les films de gangsters comme les aime Scorsese.

Le docteur Euphronious (Annette Benning),
une scientifique visionnaire. DR

L’interprétation emporte l’adhésion. Christian Bale est un Frankenstein torturé et couturé de toutes parts, Peter Sarsgaard (mari de la cinéaste à la ville) un flic paumé et Jake Gyllenhaal apparaît comme un lointain cousin de Fred Astaire. Enfin Maggie Gyllenhaal apporte un soin tout particulier à trois personnages féminins majeurs. Il en va ainsi du docteur Euphronious (Annette Benning) qui rend la vie à la fiancée, de l’inspecteur Myrna Mallow (Penelope Cruz) qui joue une carte très perso dans le dénouement et évidemment de la volcanique fiancée portée par la tonique Jessie Buckley. La comédienne irlandaise, toujours à l’affiche dans Hamnet en épouse de Shakespeare, est en train de s’imposer complètement sur le devant de la scène hollywoodienne, donc mondiale !
« Je t’aime jusqu’à la fin des temps, se disent-ils. Parce que nous sommes morts depuis le début ».

THE BRIDE ! Epouvante/Horreur (USA – 2h07) de Maggie Gyllenhaal avec Jessie Buckley, Christian Bale, Annette Bening, Peter Sarsgaard, Penelope Cruz, Julianne Hough, John Magaro, Jeannie Berlin, Zlatko Buric, Jake Gyllenhaal. Dans les salles le 4 mars.

Marty Mauser (Timothée Chalamet), champion de tennis de table et arnaqueur. DR

Pour du battage, il y aura eu du battage. Celui ou celle qui ne sait pas que Timothée Chalamet incarne Marty Mauser dans Marty Supreme, ne doit pas savoir non plus ce que sont les réseaux sociaux, les médias papier, les radios et que sais-je encore. Autant dire qu’il y avait une certaine attente pour le film de Josh Safdie. Disons-le d’emblée, le pari est plutôt bien tenu !
En 1952, Marty Mauser vend des chaussures dans la boutique new-yorkaise de son oncle dans le Lower East Side. C’est plutôt un vendeur habile mais il n’a aucune intention de végéter au milieu des cartons. Même si la réserve du magasin lui permet quand même d’allègrement batifoler avec la tonique Rachel, une voisine de l’immeuble. L’amusant générique du film avec son ballet de spermatozoïdes s’introduisant dans une ovule en forme de balle de ping-pong , ne laisse guère de doute sur le futur état de Rachel…
Marty Mauser a un rêve. Enfin, plusieurs. Créer une balle de tennis de ping-pong personnalisée, avoir sa tête sur des boîtes de corn-flakes et incarner le tennis de table aux Etats-Unis. Alors, menacer un collègue de travail avec une arme de poing, c’est une broutille. Pour Marty, il s’agit de récupérer ce qu’on lui doit, en l’occurrence 700 dollars, afin de pouvoir prendre un billet pour Londres et disputer un championnat international. Dans la capitale anglaise, Marty passe les tours avec aisance mais il va tomber sur un gros bec nommé Koto Endo. Le compétiteur japonais est une pointure qui joue, en plus, avec une raquette innovante qui lui permet d’enquiller les points face à un Marty médusé et vaincu…
Pour Marty Mauser, l’ambition aidant, toutes les occasions sont bonnes à saisir. Ainsi, à Londres, il décide de s’installer au Ritz. Parce qu’il n’y aucune raison que les gros pardessus de la Fédération internationale de tennis de table séjournent dans le prestigieux hôtel et pas lui. Et voilà que l’occasion se présente pour ce baratineur-né de croiser la route de Kay Stone, une actrice iconique qu’il arrivera à culbuter avant de lui déposer un ticket pour qu’elle vienne le voir jouer. Mais ce n’est là que le début des aventures, parfois ubuesques, d’un grand frimeur doublé d’une jolie fripouille.

Kay Stone (Gwyneth Paltrow),
une vedette sous le charme de Marty. DR

Josh Safdie s’est très tôt passionné pour le tennis de table, en écoutant les anecdotes de son oncle sur les célèbres marginaux new-yorkais qui, au XXe siècle, étaient attirés par cette discipline. Un jour, chez un brocanteur, la femme du cinéaste tomba sur un ouvrage écrit par un certain Marty Reisman, prodige du tennis de table juif new-yorkais. Safdie découvrit ainsi un univers étrange et exaltant. Il réclama à son oncle qu’il lui raconte des anecdotes sur le Lawrence’s Table Tennis Club, le mythique cœur battant du tennis de table new-yorkais. Il n’en fallut pas plus pour que Josh Safdie et sa femme Sara Rossein (productrice exécutive et documentaliste) se plongent immersion totale dans l’univers du tennis de table…
De fait, dans le New York des années 1950, le tennis de table a fait naître une véritable sous-culture peuplée de magouilleurs, de génies, de marginaux et de types sans scrupules. On pratiquait cette discipline dans des salles clandestines enfumées, au cours de fêtes organisées sur les terrasses des immeubles, dans les auberges de jeunesse, les dortoirs de prestigieuses universités de la côte Est du pays, et les immeubles du sud de la ville. C’était un jeu rapide, intense, et largement négligé par le grand public. De quoi ouvrir, pour Safdie et Ronald et Bronstein, son co-scénariste, un nouveau territoire pour laisser libre cours à leur passion pour les personnages faillibles et les univers interlopes.

Rachel Mizler (Odessa A’zion),
enceinte et complice de Marty. DR

Reposant sur une mise en images inventive, nerveuse, spectaculaire et efficace qui laisse, au bout de 2h30, le spectateur complètement épuisé (mais ravi!), Marty Supreme réussit, tout à la fois, à rendre compte de l’air du temps (dans les années 50, les Japonais n’étaient pas « appréciés » aux Etats-Unis) et d’une réalité sociale (la vie d’une famille juive dans le quartier défavorisé de Manhattan) tout en brossant le portrait enlevé d’un sacré loustic.
« Marty, dit son interprète, est un jeune homme ambitieux qui veut être salué comme le plus grand joueur de tennis de table au monde . Et s’il est peut-être le meilleur du monde, il se trouve qu’il est aussi, en raison des circonstances de la vie, un type insignifiant qui habite le Lower East Side de Manhattan, au début des années 50… »
C’est donc dans les pas d’un jeune rêveur doublé d’un absolu romantique et d’un optimiste invétéré que Josh Safdie a imaginé un récit initiatique où Marty Mauser va découvrir sa vraie nature, voire même en changer.

Marty en match-exhibition au Japon. DR

Ce qui impressionne dans Marty Supreme, c’est l’abondance des histoires qui s’entremêlent et le nombre de personnages qui s’y croisent. Avec un scénario pareil, il y avait de quoi faire trois films. Mais Safdie n’en fait qu’un et il est épatant. D’abord parce que Timothée Chalamet tient, ici, un personnage en or qu’il habite avec une fièvre permanente. Ensuite parce que le film nous promène d’une salle enfumée new-yorkaise à un match-exhibition de ping-pong au Japon en passant par l’appartement modeste de la bruyante (et très allénienne) famille de Marty, Auschwitz (la séquence du miel est complètement inattendue), les suites royales d’hôtels de luxe ou la salle de bain instable d’un hôtel pourri, la scène d’un théâtre, les tractations commerciales d’un patron d’une entreprise de stylos, le spectacle des Harlem Globe Trotters (où Marty et son partenaire Kletzki font les clowns de l’entracte) sans oublier des démêlés avec un mafieux (Abel Ferrara) qui a perdu Moïse, son chien… Toujours fauché, Marty est prêt à partir à la recherche du chien, moyennant une poignée de dollars ou encore à barboter un collier à Kay Stone (Gwyneth Paltrow). La recherche du chien finit par un bain de sang chez un fermier… Il faut ensuite à Marty amener d’urgence Rachel Mizler à la maternité avant de s’envoler pour le pays du Soleil levant où l’attendent Koto Endo… et un gros cochon noir…
Comme le lui a soufflé Ezra Mishkin, le propriétaire de Moïse : « T’es un Mensch, fils ! » Après, tout Marty, malgré tous ses défauts, va peut-être arriver à être ce Mensch.

MARTY SUPREME Comédie dramatique (USA – 2h30) de Josh Safdie avec Timothée Chalamet, Odessa A’zion, Tyler Okonma, Luke Manley, Fran Drescher, Koto Kawaguchi, Kevin O’Leary, Gwyneth Paltrow, Abel Ferrara. Dans les salles le 18 février.

« Coutures »: Maxine (Angelina Jolie)
et Anton (Louis Garrel). DR

TRAJECTOIRES.- A l’heure de la Fashion Week, Maxine Walker, une réalisatrice américaine indépendante, débarque à Charles de Gaulle. On l’attend pour mettre en scène un spectacle vidéo, sur fond de femme vampire, qui sera diffusé lors de l’ouverture d’un défilé. La cinéaste reçoit l’appel de son médecin qui l’informe que les résultats de sa biopsie ne sont pas bons et lui demande de passer rapidement à son cabinet. Maxine étant à Paris, le praticien lui trouve d’urgence un rendez-vous chez un confrère parisien. Mais Maxine tient à se concentrer sur son film d’autant que le directeur d’image de la maison de couture trouve qu’il y a beaucoup de sang, que les dents de la femme sont trop pointues et que le cri final est un peu trop violent. Maxine va croiser le chemin d’Ada, une jeune mannequin sud-soudanaise ayant quitté son pays, et Angèle, une maquilleuse française aspirant, à travers l’écriture, à une autre vie.
Avec Coutures (France – 1h43. Dans les salles le 18 février), Alice Winocour suit les trajectoires de trois femmes aux horizons bien différents entre lesquelles va se tisser une solidarité insoupçonnée. Car, sous le vernis très glamour de la Fashion Week (interrogée sur la mode, la cinéaste répond qu’elle est « inutile et nécessaire »), Maxine, Ada et Angèle portent, toutes les trois, une révolte silencieuse, celle de femmes qui recousent, chacune à leur manière, les fils de leur propre histoire.
« Tous mes films naissent, dit Alice Winocour, d’expériences intimes que je projette dans un monde lointain et le plus souvent totalement inconnu. Et celui-là peut- être un peu plus que les autres. Je ne connaissais rien à la mode, mais j’ai vécu moi-même le parcours de Maxine Walker, le chemin d’une réalisatrice à qui on annonce qu’elle a un cancer. Ce parcours est vraiment le point de départ. »
Découverte en 2012 avec Augustine qui s’inspirait de la relation, en 1885, entre le professeur Jean-Martin Charcot et sa patiente Augustine atteinte d’hystérie, Alice Winocour a ensuite tourné, avant Coutures, trois longs-métrages dont le dernier, Revoir Paris (2022) évoquait l’errance d’une femme traumatisée qui, entrée un soir dans un restaurant parisien, vit son existence basculer à la suite d’une attaque terroriste.

« Coutures »: Angèle (Ella Rumpf)
et Ada (Anyer Anei). DR

Autour du thème de la solidarité féminine, la cinéaste mêle les histoires de Maxine, d’Ada, jeune mannequin débutante, qui entre dans ce métier parce qu’elle est une « Risk-taker », d’Angèle, maquilleuse et précaire intermittente du spectacle qui prend des notes sur son vécu pour écrire un livre… même si un potentiel éditeur lui fait observer que « tout ce qui est vrai n’est pas forcément intéressant ». Mais Alice Winocour suit, quand même, le plus souvent, la réalisatrice américaine contrainte de revoir sa vie de fond en comble. Car le professeur Hansen, convaincu qu’il peut la sauver de son cancer du sein, lui demande de mettre sa vie professionnelle de côté pour se concentre sur elle-même. Bouleversée et loin de ses bases, Maxine va devoir trouver les ressources pour faire face à sa maladie et trouver aussi la force d’en parler.
Allant avec aisance d’un plateau de cinéma à un atelier de couture où la petite Christine travaille d’arrache-pied sur la robe que portera Ada en ouverture du défilé en passant par un couloir d’hôtel où les mannequins répètent leurs pas ou une chambre dans laquelle Maxine entraîne Anton, son assistant, Coutures raconte une effervescence qui contraste singulièrement avec les doutes et les angoisses de trois femmes qui tentent de survivre dans une tourmente intime. « Tu crois qu’on est responsable de ce qui nous arrive… » interroge Maxine.
Enfin Alice Winocour peut compter, ici, sur des comédiens de talent comme Anyer Anei (Ada), Ella Rumpf (Angèle), Garance Marillier (Christine), Vincent Lindon (Hansen), Louis Garrel (Anton) et évidemment Angelina Jolie qui a trouvé un lien fort avec Coutures puisqu’elle-même avait connu cette histoire dans sa chair. Quelques plans du corps «couturé» de Maxine renforce le sentiment d’angoisse qui s’empare de la cinéaste.
C’est une belle séquence (on songe à l’ouverture de Melancolia de Lars von Trier) de tornade qui clôt Coutures. Une mini-apocalypse qui bouscule l’ordre établi, une destruction finale qui évoque la mutation vers une vie nouvelle.

« Maigret… »: Denis Podalydès
incarne le commissaire. DR

ENQUETE.- De son air toujours placide, Jules Maigret cure soigneusement sa pipe. Janvier, son adjoint s’inquiète : « Qu’est-ce qui se passe? Je n’aime pas ce faux rythme… » Il n’aura pas le temps de s’inquiéter longtemps. Le Quai d’Orsay réclame une « personne habilitée » pour une affaire sensible.
Au Quai, on pratique la périphrase mais l’évidence est là. L’ancien ambassadeur Berthier-Lagès a été retrouvé à son domicile parisien avec une balle dans la tête et quatre dans le corps. Mlle Larrieux, dite Jacotte, la domestique du diplomate, n’ est pas du genre causant. Elle va vite agacer Maigret en répondant à ses questions par des questions. Et elle se cabre lorsqu’on relève ses empreintes. Est-elle suspecte ? « Personne n’est suspect. Tout le monde l’est » lâche le commissaire. Et puis une armoire pleine de liasses de lettres achève de donner à cette enquête criminelle un tour étrange. Maigret découvre ainsi que Berthier-Lagès entretenait, depuis cinquante ans, une correspondance amoureuse avec la princesse de Vuynes, dont le mari, étrange coïncidence, vient de décéder. D’autant plus étrange que le défunt avait lâché un jour: « On ne nous laissera pas faire… »
En signant Maigret et le mort amoureux (France – 1h20. Dans les salles le 18 février), Pascal Bonitzer s’attache, à son tour, au fameux policier imaginé par Georges Simenon dès 1929. Il adapte, ici Maigret et les vieillards que le romancier belge publia en 1960 au sortir d’une crise existentielle, le livre l’aidant à exorciser la question de l’âge. A son tour, le cinéaste se penche sur des personnages âgés et cependant pleins d’énergie…
Maigret pour le seul cinéma français, c’est une kyrielle de réalisateurs (Renoir, Duvivier, Tourneur, Verneuil, Delannoy, Grangier ou Leconte) et de comédiens comme Pierre Renoir, Harry Baur, Albert Préjean, Michel Simon, Jean Gabin, Gérard Depardieu, liste à laquelle s’ajoute désormais Denis Polydalès qui incarne un commissaire des années 2000 aux prises avec les débuts d’internet et du téléphone portable… qu’il s’applique à ne pas n’utiliser.

« Maigret… »: Anne Alvaro,
une énigmatique Jacotte. DR

Ici, le réalisateur du Tableau volé (2024) et du prochain Victor comme tout le monde (voir ci-dessus) situe son action au début des années 2000 et fait évoluer son enquêteur dans un milieu très conservateur, pour ne pas dire très réac, en plein cœur du 7e arrondissement parisien. Des aristocrates catholiques qui ignorent ou méprisent l’époque dans laquelle ils vivent. Comme le dit Bonitzer : « Simenon est un homme du XXe siècle. Son héros l’est aussi, avec les préjugés de son temps. Cela m’intéressait de le confronter au XXIe siècle. Maigret est un policier qui n’aime pas les figures d’autorité à l’ancienne, mais qui est aussi assez réfractaire à la modernité. Avec sa pipe, son alcoolisme discret, son épouse au foyer, il est un survivant face à la robotisation accélérée de notre monde… » Et c’est probablement pour cela que ce flic est attachant.
Un type qui mijote, pour sa femme et lui, de bons petits plats et les accompagne d’un Saint-Julien de chez Guigal, ne peut pas être mauvais. Si, comme il dit au procureur, il va à son rythme, Maigret ne lâche jamais son os. Et il « traque » cette Jacotte qui semble cependant lui échapper.
Chapeau, pipe et imperméable, Denis Podalydès, en jouant sur l’intériorité du policier, s’inscrit dans la bonne tradition de Maigret. A ses côtés, on retrouve avec bonheur, dans le rôle de l’énigmatique Jacotte, la magnifique Anne Alvaro. On se souvient toujours de sa prestation en tragédienne/prof d’anglais, en 2000, dans Le goût des autres au côté de Jean-Pierre Bacri ! Autour d’eux, on remarque Dominique Reymond (Izi de Vuynes), Laurent Poitrenaud, Micha Lescot, Julia Faure, Hugues Quester ou Noël Simsolo…
Si le film parle beaucoup, ce Maigret et le mort amoureux, certes conventionnel, est pourtant souvent savoureux et se regarde agréablement.

« Le gâteau… »: Lamia (Baneen Ahmed Navyef) cherche du sucre. DR

IRAK.- En 1990, à cause des sanctions internationales faisant suite aux exactions guerrières de l’Irak, une grave crise alimentaire frappe le pays. Mais cela n’empêche en rien Saddam Hussein d’exiger que tous les Irakiens fêtent son anniversaire. Nous sommes le 26 avril, soit deux jours avant la date d’anniversaire du raïs et la vie est dure pour Bibi, une grand-mère qui s’occupe, seule, de sa petite-fille âgée de 9 ans. On fait la queue pour un jerrycam d’eau et on sait que le sucre est rare et que chaque œuf coûte.
Tandis que les gamins des écoles scandent « On ne cédera pas ! » et crie : « Par notre sang, par notre âme, longue vie à notre chef », l’instituteur de la classe de Lamia procède à un tirage au sort. Pour savoir qui apportera des boissons, des fruits, des fleurs pour l’anniversaire et surtout qui aura le « privilège » de fabriquer le gâteau du président. C’est Lamia qui est élue. Charge à elle maintenant de trouver le sucre, les œufs, la farine et la crème (parce que l’instituteur exige un délicieux fourrage !) pour célébrer le tout-puissant maître de l’Irak.
Le gâteau du président (Irak/Qatar – 1h42. Dans les salles le 4 février) repose sur un souvenir d’enfance du réalisateur Hasan Hadi qui raconte : « Une année, c’est moi qui ai été désigné pour apporter les fleurs. Je crois que j’ai encore quelque part dans ma bibliothèque une photo de moi tenant le bouquet, et je me souviens du soulagement de ma famille : je n’avais que les fleurs à trouver. Bien entendu, à l’époque, à force de sanctions, la corruption était devenue omniprésente. Il suffisait de rendre un service à l’enseignant – réparer son vélo, lui couper les cheveux – pour échapper au tirage au sort. Et alors, on survivait. Mais si ce n’était pas possible, vos chances s’amenuisaient. »
Tourné en Irak, en décors réels, notamment dans les marais mésopotamiens, que l’on considère comme le berceau de la civilisation, et celui de l’épopée de Gilgamesh, Le gâteau… est une aventure qui tient, évidemment, de la fable (les séquences lacustres sont belles) mais qui conserve une part de réalisme dans le récit, ainsi ces avions de combat qui passent régulièrement dans le ciel ou ces plans d’hôpital où s’alignent des blessés de guerre.

« Le gâteau… »: sur les marais mésopotamiens. DR

Bientôt rejointe par Saeed, un gamin déluré et un peu voleur à la tire, Lamia va entreprendre sa quête des ingrédients. En trimballant partout son coq Hindi, la fillette, dans ses tribulations alimentaires, va croiser un certain nombre d’adultes, dont la plupart, ne sont pas reluisants. Certes, il y a un chaleureux facteur-chauffeur de taxi qui va tout mettre en œuvre pour aider une Bibi malade et une gamine perdue dans la ville mais que penser des autres ! L’instituteur vole une pomme dans le cartable de Lamia, un boucher amadoue l’enfant pour tenter de l’entraîner dans l’obscurité inquiétante d’un cinéma. Quant aux policiers, ils n’ont rien à faire de ces « paysans ». Inlassablement, Lamia cherche ses œufs et son sucre parce qu’elle sait qu’il en va d’une certaine forme de survie. « Si on le fait pas, nos vies sont foutues ».
Au travers de cette histoire qui fait parfois penser, à cause du regard triste de Baneen Ahmed Navyef, la magnifique interprète non-professionnelle de Lamia, au Voleur de bicyclette de De Sica, Hasan Hadi montre aussi l’omniprésence d’un dictateur qui semble observer chacun des gestes de son peuple, tantôt avec un sourire, tantôt avec un regard sévère.
Au prix de multiples péripéties, Lamia trouvera les œufs « pour la fertilité », la farine « pour la vie » et le sucre « pour rendre la vie plus douce ». Le gâteau sera goûteux mais la guerre frappera…
Le gâteau du président prend une belle place dans le genre des films de l’enfance. Et, au générique de fin, les vraies images de Saddam Hussein soufflant les bougies de son gâteau, apparaissent comme celles d’un ogre qui a longuement traumatisé son peuple.

« Les dimanches »: Ainara (Blanca Soroa)
en visite au couvent. DR

FOI.- Dans une chambre plongée dans une semi-obscurité, des jeunes filles jouent et bavardent. Elles rient comme des bécasses en se racontant des vannes sur l’une de leurs enseignantes, une religieuse tellement aigrie qu’elle a un besoin impérieux de faire l’amour… Parmi ces grandes adolescentes, se trouve Ainara qui pouffe, elle aussi. Elève dans un lycée catholique, elle a 17 ans, et s’apprête à passer son bac et s’interroge sur son futur parcours universitaire. On la retrouve dans un cloître où elle assiste, derrière une clôture, à un office où des sœurs prient et chantent. L’une d’elles adresse un petit sourire à Ainara. A la surprise générale, cette brillante jeune fille annonce à sa famille qu’elle souhaite participer à une période d’intégration dans un couvent afin d’embrasser la vie de religieuse. La nouvelle prend tout le monde au dépourvu. Inaki, le père d’Ainara, est surpris mais semble vouloir se laisser convaincre par les aspirations de son aînée. Par contre, Maité, la tante de la jeune fille, s’insurge contre cette vocation inattendue. Lors d’un déjeuner en famille après la communion solennelle de sa petite sœur, Ainara montre à Maité, la médaille qu’elle porte au cou. Elle lui a été offerte par sa mère trop tôt disparue qui lui expliqua que la Vierge lui tiendrait ainsi toujours compagnie…
Avec Les dimanches (Espagne – 1h58. Dans les salles le 11 février), la réalisatrice basque espagnole Alauda Ruiz de Azua signe son troisième long-métrage après le drame Lullaby (2022) et la comédie romantique Ce sera toi (2023). Elle s’appuie, ici, sur l’histoire d’une jeune fille qui voulait entrer dans les ordres, entendue lorsqu’elle avait l’âge de son personnage : « En tant que personne non croyante, élevée dans la laïcité, j’ai été très frappée par une renonciation aussi radicale : laisser derrière soi l’université, les voyages, de nouvelles amitiés, tout ce qui, pour nous, commençait avec la vie adulte. J’avais du mal à comprendre qu’une fille de mon âge prenne une telle décision, et c’est là qu’est née ma curiosité pour la vocation religieuse. »

« Les dimanches »: Ainara
avec son père et sa tante. DR

En se documentant abondamment (« Toutes les conversations religieuses du film reposent sur des cas vécus », dit-elle), la cinéaste interroge le rôle de l’humain dans la construction d’une vocation, que ce soit la famille, l’éducation, les figures de référence, l’adolescence… Car, si la vocation d’Ainara est le point de départ du récit, ce film se concentre sur la parcours de la famille et sur la fragilité de cette institution. Ou comment prendre en compte des manques affectifs, de la négligence, un manque de communication, la vulnérabilité aussi de l’adolescente qui peut ainsi être poussée vers un endroit aussi extrême qu’un couvent… Mais Ainara, sans être illuminée, évoque sa peur des débuts avant de confier un amour tellement beau qu’on s’y soumet facilement. « Au couvent, je suis heureuse », dit-elle.
Multi-récompensé dans des festivals internationaux (dont la Coquille d’or au Festival de San Sebastian), Les dimanches observe, avec acuité, sobriété et une retenue bienvenue, la manière dont une famille va réagir à une vocation précoce en tentant d’imposer à Ainara (la débutante Blanca Soroa) leurs propres opinions. Qui vont, chez son père, d’un respect (hypocrite?) de son libre arbitre aux mises en garde, par sa tante (remarquable Patricia Lopez Arnaiz), d’une éventuelle manipulation par un mielleux directeur spirituel ou une sœur supérieure qui lui suggère de « ne plus être contente de soi mais de contenter Dieu ».
Tandis qu’elle avance vers sa vocation et devient novice, le film pose une question sur la motivation d’Ainara. S’agit-il de foi ou d’endoctrinement ?