LA BATAILLE DE GAULLE
Colonel inconnu, Charles de Gaulle s’est fait remarquer, en pleine déroute des armées françaises, en affrontant, à la tête d’une colonne de chars, à la mi-mai 1940, les troupes et les chars de la Wehrmacht à Montcornet dans l’Aisne. Ce fait d’armes vaudra à De Gaulle de devenir général deux étoiles. Le principal succès de la bataille de Montcornet est moral. Cette bataille est l’une des rares de la campagne de France où les Français sont parvenus à repousser les troupes allemandes pendant quelques heures… Pourtant, en juin 1940 , la France s’effondre et signe l’armistice. Au milieu du chaos, un homme refuse de céder mais il reste cependant un parfait inconnu. C’est pourtant cet homme de haute stature qui, en rejoignant Londres, incarnera la France libre et résistante… En juin 1940, seul contre tous, De Gaulle veut sauver ce qu’il reste d’un rêve : la liberté. Sans armée, sans appui, sans espoir. Mais avec une folle conviction : la France, sa France, n’a pas déposé les armes. Il tente un ultime pari : convaincre le monde que la bataille de France n’est ni terminée, ni perdue. La réalité est têtue, et lui donne tort. Mais peu à peu se lèvent autour de lui en Angleterre, en France et en Afrique des résistants de l’ombre, des lycéens révoltés, des soldats déterminés. Leur foi, leur audace, leur rage de liberté défient l’Histoire qui semblait pourtant écrite d’avance. En s’appuyant pour ce drame biographique et historique sur l’ouvrage De Gaulle : une certaine idée de la France de l’Américain Julian T. Jackson, Antonin Baudry fait évidemment la part belle à De Gaulle mais il met aussi en lumière le rôle clé de Jean Moulin dans l’unification des mouvements de Résistance, y compris en « manipulant » (pour la bonne cause !) les gaullistes et communistes. Tandis que Jean Moulin tombe sous les coups de Barbie, De Gaulle va réussir à imposer la France comme un acteur incontournable de la Libération. Désormais, la France Libre n’est plus contestée, mais De Gaulle doit encore convaincre les Alliés, notamment les États-Unis du président Roosevelt. De Gaulle se révèle un négociateur avisé, voire roué, un fin stratège dans ses relations régulièrement tendues avec les Américains mais aussi avec Winston Churchill et les Britanniques pour faire reconnaître la France comme une puissance majeure dans la victoire alliée. Grande production et sacrée aventure, La bataille de Gaulle : L’âge de fer et La bataille de Gaulle : J’écris ton nom constituent un diptyque plein de souffle épique qui a fait courir les foules dans les salles obscures pendant tout l’été et a entraîné une vague de films historiques français comme Les rayons et les ombres, Notre Salut ou encore le récent Moulin, toujours sur les écrans. On plonge sans peine et avec intérêt dans une vaste fresque qui emporte le spectateur dans le Londres des années quarante (reconstitué en studio) dans les pas d’un général complètement seul mais totalement convaincu de son destin, en l’occurrence d’incarner la France de la résistance et plus encore de la liberté. Mais, à Londres, face à des Anglais hautains, voire méprisants, De Gaulle aura fort à faire pour convaincre même si Winston Churchill, avec lequel De Gaulle forme un duo tragi-comique, semble fasciné par la personnalité de cet interlocuteur français quasiment marginal… Si on découvre, ici, le rôle tenu par le général Giraud (étonnant Thierry Lhermitte), on est épaté par ce chef de guerre que fut Leclerc (Niels Schneider), courageux et téméraire général « jamais vaincu par les boches ». De Gaulle, dans le premier volet, est presque burlesque dans sa raideur londonienne. Dans le second, il s’affirme comme une magnifique incarnation d’une France debout. Baudry, tout en racontant l’Histoire, de la destruction de la flotte française à Mers el Kébir à l’héroïque bataille de Bir Hakeim en passant par la mort de l’amiral Darlan abattu à Alger par un jeune résistant, s’attache autant à la figure publique du général qu’à ses facettes intimes. De Gaulle, dit Baudry, était un grand mélancolique et le cinéaste travaille sur le contraste entre le gigantesque et l’intime… Le réalisateur peut compter sur un formidable Simon Abkarian (qui passait tous les jours près de deux heures au maquillage) qui réussit le défi extraordinaire d’exprimer l’émotion d’un personnage qui s’acharne à n’en dévoiler aucune. (Pathé)
QUEEN KELLY
Soldat libertin et cousin de la redoutable reine Regina dont il doit devenir l’époux dans les six mois, le prince Wolfram est en manœuvre avec son escadron. Soudain ce futur prince consort croise un groupe de jeunes filles novices sorties de leur couvent sous la surveillance de nonnes revêches. Le prince à cheval les salue cordialement, quand son regard croise celui de la jeune et ravissante Patricia Kelly, jolie brune effrontée qui lui lance des œillades énamourées. Tout autant intrigué que séduit, le jeune prince ordonne à tous ses hommes de faire demi-tour. Les nonnes et les novices s’arrêtent sur le bas côté de la route pour saluer plus solennellement le prince, par une révérence exécutée dignement par les sœurs et plus gracieusement par les jeunes filles. A ce moment-là, Kelly perd son caleçon à frou-frou devant le jeune prince, qui, sidéré, éclate de rire, suivi peu à peu par l’ensemble de ses cavaliers. Lorsque les nonnes et ses consœurs se rendent compte de la situation, elles se joignent instantanément au reste de la troupe pour rire de bon cœur mais Kelly qui ne comprend toujours pas la cause de cette hilarité générale, continue à sourire bien que plus timidement au prince. La nonne près d’elle plus outrée qu’amusée, pour toute explication, lui montre ses chevilles, où pendent misérablement ses culottes courtes. Humiliée après avoir été conquise par l’affabilité du jeune prince, de rage comme de désespoir, Kelly dans un geste impulsif, lance à la tête de Wolfram ce dessous intime… Guère déconcerté, le jeune prince garde un moment la culotte près de son visage en fixant Kelly qui lui lance un regard de défi. Wolfram glisse prestement ce linge déshonorant, dans l’étui de sa selle comme un trophée d’une belle journée ensoleillée. Rentré au palais, sa capricieuse cousine Regina lui annonce publiquement qu’il doit l’épouser le lendemain. Mis au pied du mur, le prince souhaite revoir Kelly, la novice impulsive pour qui il éprouve soudain une vive émotion. Mais, pour cela, il devra réussir à la faire libérer de son sinistre couvent. Comédien de grand talent (il fut Rauffenstein, face à Gabin et Fresnay, dans La grande illusion ou le majordome de Sunset Boulevard), Erich von Stroheim fut aussi, dans les années 1920, un réalisateur extravagant taraudé par des obsessions comme l’argent, le sexe ou l’infirmité. Réalisé en 1928 et porté par la star Gloria Swanson, Queen Kelly demeure l’un des grands films maudits du cinéma muet. Ce mélodrame somptueux, traversé par l’érotisme, la cruauté et le baroque, incarne toute la démesure qui caractérise l’univers du cinéaste des Rapaces (1924). Interrompu avant son achèvement en raison de désaccords entre le réalisateur et la production, Queen Kelly ne fut jamais terminé ni distribué dans sa forme originale. La version proposée par Carlotta est une brillante tentative de reconstitution du film tel que voulu par Erich von Stroheim, effectuée à partir des images tournées en 1928-1929 et restaurées par Milestone Films. La production de Queen Kelly a été marquée par des désaccords entre Stroheim, Swanson et le producteur Joseph P. Kennedy, notamment sur le contenu du film et ses coûts. Swanson a fini par interrompre le tournage et renvoyer le réalisateur, avant que l’histoire prévue soit entièrement filmée. Stroheim voulait réaliser un mélodrame ample et provocateur. Certaines scènes -notamment celles du début, jugées audacieuses pour l’époque- ont suscité des inquiétudes liées à la censure. Mais le désaccord portait aussi, voire surtout sur la durée du film et les dépassements de budget. Présenté en version originale muette avec intertitres et accompagnement musical dans une restauration 4K, Queen Kelly, inédit en Blu-ray, comprend de nombreux suppléments. Dans A million and One Nights of Film (20 mn), émission de 1966 tournée à l’occasion de la diffusion de Queen Kelly à la télévision américaine, Gloria Swanson revient sur son expérience d’actrice et productrice avec Erich von Stroheim et évoque les difficultés rencontrées par le film à une époque où le code Hays était rigoureusement appliqué. Les directeurs de la photographie William Margulies et Paul Ivano, ainsi que les réalisateurs Allan Dwan et Billy Wilder livrent, chacun, souvenirs et anecdotes autour du film (14 mn). On trouve aussi des scènes coupées et des chutes (31 m) avec ou sans commentaire audio de l’historien du cinéma Richard Koszarski, enfin on découvre la fin, version Swanson de 1931 ( 6 mn). (Carlotta)
LA CHEVAUCHÉE DES BANNIS
Dans un village isolé du Wyoming enseveli sous la neige, l’éleveur Blaise Starett est en conflit avec les fermiers du village, notamment Hal Crane, pour les empêcher de poser les barbelés qui entraveront les allées et venues de son bétail. Le conflit est aussi personnel : Starrett est toujours épris d’Helen, son ancienne compagne devenue la femme de Crane. Alors que les deux hommes sont sur le point d’en venir aux mains, sept bandits en fuite font irruption dans le saloon et interrompent de ce fait leur querelle. Ayant pris les habitants en otage, les hors-la-loi feraient bien un mauvais sort aux femmes présentes. Leur chef Jack Bruhn, un ancien officier de l’Armée américaine (Burl Ives),  a bien du mal à maîtriser ses hommes, d’autant plus qu’il est sérieusement blessé. Pour éviter un massacre, Starrett promet de guider la bande à travers les montagnes enneigées. La traversée devient alors une épreuve de survie, tandis que Bruhn peine à garder ses hommes, violents et indisciplinés, sous contrôle. Pour protéger le village d’un massacre et permettre aux bandits d’échapper à la Cavalerie qui les pourchasse, Starrett (Robert Ryan) propose de les conduire à travers la montagne, par un passage difficile, sous une terrible tempête de neige. Il sait que cette expédition peut être fatale. Le voyage met à l’épreuve les fugitifs comme leur guide, et confronte Starrett à sa propre violence. Il reconnaît en ces hors-la-loi une part de lui-même qu’il préférerait ne pas voir. Même s’il est aujourd’hui bien oublié, André de Toth, cinéaste américain d’origine austro-hongroise (1912-2002) fut, pour la Warner et la Columbia, un des grands spécialistes du western. Avec Day of the Outlaw (en v.o.), il signe son dernier film du genre. Il a lui-même repéré du côté de Bend dans l’Oregon, les extérieurs isolés et glaciaux de montagne dans lequel il place ses personnages. Il décide aussi de tourner dans un noir et blanc cotonneux à l’heure du tout Technicolor. Du coup, loin des westerns classiques, La chevauchée des bannis développe une beauté fantomatique dans un univers claustrophobique. Dans les multiples bonus (2h50 au total), Bertrand Tavernier souligne le brio de ce récit de survie et qualifie le film de « dreyerien » à cause de sa magnifique et oppressante austérité. Si la séquence des cavaliers transis avançant à grand peine dans une neige mortelle est magnifique, celle du bal dans le saloon est fameuse. Si le bal est souvent un moment ludique dans le western, il est, ici, sinistre. Filmées en longs panoramiques circulaires, les femmes des fermiers et notamment Helen (Tina Louise), sont clairement apeurées par des bandits envahissants. De fait, André de Toth n’avait pas informé les comédiennes des indications données aux acteurs… Un classique méconnu. Radical, austère, brillant ! (Wild Side)
LE GOUFFRE AUX CHIMÈRES
C’est, pneus crevés et remorqué par un dépanneuse que Charles Tatum arrive dans sa vieille bagnole à Albuquerque, Nouveau-Mexique. Reporter plein d’ambition mais sans scrupules et porté sur l’alcool, « Chuck » Tatum s’est déjà fait renvoyer à plusieurs reprises de grands journaux du pays pour des motifs plus ou moins avouables. Cette grande gueule réussit à se faire embaucher au Sun Bulletin, modeste journal local où il végète et ronge son frein en attendant le gros scoop qui lui permettra de revenir dans la lumière et la grâce des grands éditeurs de presse. Parti avec un jeune assistant photographe couvrir une improbable chasse au crotale, il apprend qu’un homme est bloqué dans la galerie d’une montagne qui abrite des tombes indiennes vieilles de 400 ans. Il y cherchait des poteries et autres bijoux indiens enfouis pour ensuite les vendre à un bon prix. Heureux de tenir enfin une « vraie histoire » et flairant tout le parti journalistique qu’il pourra en tirer, Tatum décide de faire en sorte de couvrir l’évènement en exclusivité. Cyniquement aussi, il entreprend de prolonger le sauvetage pour agrémenter ses papiers et leur retentissements. Considérant que tout journaliste un peu expérimenté doit jouer le « Bad News Sells Best » (une mauvaise nouvelle, c’est ce qui se vend le mieux), il réussit à ce que ses articles provoquent un succès majeur. Rapidement, les badauds affluent sur les lieux et son ancien employeur de New York est prêt à le reprendre. Tout à son affaire, manipulant les uns et les autres, Tatum va pourtant finir par perdre le contrôle de la situation… Jusqu’où un journaliste est-il prêt à aller pour décrocher un scoop ? Avec Ace in the Hole (en v.o.), Billy Wilder explore la face sombre du journalisme et dénonce les dérives d’une information devenue spectacle. À force de rechercher le sensationnel, un drame humain se transforme en véritable attraction populaire, où chacun cherche à tirer profit du malheur d’autrui. Inspiré d’un fait-divers authentique survenu au Kentucky en 1925 (et que Tatum cite comme exemple à son photographe), Le gouffre aux chimères, qui résonne étrangement dans notre monde contemporain, est une satire féroce du voyeurisme médiatique et de la fascination collective pour les faits divers. Réputé pour son ironie mordante et sa capacité à disséquer les failles humaines, Billy Wilder signe, ici, l’un des films les plus sombres de sa carrière. Et aussi, disait-il, l’un de ses préférés avec La garçonnière (1960). Le film sera l’un des rares échecs commerciaux du réalisateur de Sunset Boulevard (1950) sans doute parce qu’en ces temps où l’Amérique vivait les heures sombres du maccarthysme, Le gouffre… pouvait paraître anti-américain par sa description d’une société sérieusement gangrenée. Dans des décors arides filmés dans un noir et blanc dur, Kirk Douglas trouve l’un de ses plus beaux rôles en journaliste cynique et ambitieux, aussi charismatique que moralement insaisissable. Une belle sortie Blu-ray et DVD, chacun en édition 2 disques, accompagnés de nombreux suppléments dont plus de 5 heures sur l’édition Blu-Ray. Cette dernière comprend également deux livrets : le premier consacré au film, le second explorant la figure du journaliste dans le cinéma américain. (Rimini éditions)
POLA X
Jeune écrivain à succès, Pierre vit avec sa mère Marie dans un château en Normandie à proximité des bords de la Seine. Ils sont beaux, riches et insouciants. Chaque matin, Pierre part avec la moto héritée de son père rendre visite à Lucie, sa fiancée. Une nuit, Marie (Catherine Deneuve) annonce à Pierre qu’elle a fixé la date de son mariage avec Lucie. Pierre part annoncer la bonne nouvelle à sa fiancée. En chemin, au bord de la forêt, il rencontre Isabelle, une femme à la beauté inquiétante, qui parle avec un fort accent des pays de l’Est. Isabelle se révèle être la demi-sœur de Pierre, née d’une liaison que son père a eue à l’étranger. Très perturbé par cette révélation, Pierre devient l’amant d’Isabelle. Invité à la télévision pour faire la promotion de son roman, il « sabote » sa propre prestation et rompt avec tout son entourage, pour vivre avec Isabelle une vie clandestine et marginale. Retenu en sélection officielle au Festival de Cannes de 1999, Pola X est une œuvre foudroyante, librement adaptée et modernisée du roman Pierre ou les ambiguïtés de Herman Melville paru en 1852. Réalisateur de films fascinants comme Mauvais sang (1986), Les amants du Pont-Neuf (1991) ou Annette (2021), Léos Carax transforme ici le récit, par son atmosphère intense et son esthétique radicale, en une plongée fiévreuse dans le désir, la transgression et l’autodestruction. Un tourbillon de cinéma, disponible pour la première fois en 4K Ultra HD™ et Blu-ray™ dans sa superbe version restaurée sous la supervision de Leos Carax. Disponible pour la première fois en 4K UHD & Blu-ray, le film est accompagné de multiples suppléments. De la stridence (26 mn) est un entretien inédit avec Frédéric Bonnaud, directeur de la Cinémathèque française. L’âme sœur (28 mn) est un entretien inédit avec Olivier Père, directeur général d’ARTE France Cinéma et directeur de l’Unité Cinéma d’ARTE France. Au montage (18 mn) est un entretien inédit avec Nelly Quettier, monteuse du film. Léos Carax en direct de Cannes (1999 – 57 mn) est une interview du réalisateur menée par Pierre-André Boutang pendant le 52e Festival de Cannes. Metropolis (1999 – 31 mn) réalisé par Dominique Rabourdin, est une interview du cinéaste par Pierre-André Boutang. Enfin, Pola X a aussi défrayé la chronique en s’inscrivant dans la liste des films non pornographiques présentant des scènes de sexe non simulées. Carax filme en effet une scène torride de pénétration (non factice) pratiquée par les doublures de Guillaume Depardieu (Pierre) et de Katerina Golubeva (Isabelle). De quoi ajouter encore un peu plus d’ambiance vénéneuse à ce tourbillon de cinéma étrange et ténébreux. (Carlotta)
LE CARROSSE D’OR
Au 18e siècle, une petite troupe de théâtre italienne débarque dans une colonie espagnole d’Amérique latine. Par le même bateau, arrive un carrosse d’apparat recouvert d’or, destiné au vice-roi. Camilla, qui joue Colombine, a cédé aux avances de Felipe, qui a voyagé avec elle. Les représentations commencées, elle ne tarde pas à être courtisée par Ramon, un torero célèbre dans toute la colonie, puis par le vice-roi, Ferdinand, qui invite la troupe à donner une représentation à la cour. Éperdu d’amour, ce dernier offre le carrosse d’or à Camilla, déclenchant la jalousie des autres prétendants, et une crise avec la noblesse… Dans son Dictionnaire du cinéma (Robert Laffont, 1992), Jacques Lourcelles n’y va pas par quatre chemins : « Le chef d’oeuvre absolu de Renoir. Le plus civilisé et le plus européen de tous les films. Les motifs d’admiration sont, ici, innombrables : construction en actes plus habile encore dans sa géniale simplicité, que celle de la Règle du jeu (…) » Après treize années passées à l’étranger, Jean Renoir (1894-1979) choisit cette adaptation du Carrosse du Saint-Sacrement de Prosper Mérimée pour revenir tourner en Europe. Le projet, envisagé depuis longtemps et destiné au marché anglo-saxon, lui est proposé par des producteurs italiens, après le désistement de Luchino Visconti. Avant d’accepter de réaliser le film, Jean Renoir pose plusieurs conditions. Tout d’abord, il souhaite que le film soit tourné en Technicolor, devenant. ainsi la première superproduction européenne en Technicolor sans participation américaine. Il impose que, contrairement aux habitudes de tournage italiennes, le son soit enregistré en direct au lieu d’être post-synchronisé. Le Carrosse d’or (1952) fait partie, avec French Cancan (1955) et Elena et les hommes (1956), de la trilogie de Renoir sur le monde du spectacle. A son arrivée sur le projet, le réalisateur transforme le texte initial de Mérimée en un hommage à la commedia dell’arte, au jeu et à son actrice principale, Anna Magnani. Le film devient ainsi une réflexion sur le théâtre et les apparences : « Où commence la comédie ? Où finit la vie ? » s’interroge Camilla. Une question qui parcourt toute l’oeuvre. En combo 4K ultra HD, d’après la restauration 2K des négatifs 35mm Technicolor trichromes originaux, le film est enrichi de suppléments comme Retour en Italie, le tournage du Carrosse d’or (35 min – 2015) avec les historiens du cinéma Pascal Mérigeau et Olivier Curchod et les témoignages de Jean Renoir et Claude Renoir ; Jean Renoir présente Le Carrosse d’or (7 mn 32), une archive INA et enfin Les couleurs renoiriennes du Carrosse d’or (10 min). Gai, coloré, enlevé ! (Rimini éditions)
LE TESTAMENT DU DOCTEUR CORDELIER
Maitre Joly, notaire, reçoit le testament du docteur Cordelier, un célèbre psychiatre, qui désigne comme héritier l’un de ses patients, un certain Opale. Ce dernier se révèle être un dangereux maniaque, qui commet des agressions gratuites. La police mène bientôt l’enquête sur les méfaits d’Opale, qui se rend coupable d’un meurtre. Joly tente lui aussi d’en savoir plus sur les liens entre Opale et Cordelier. Ce dernier donne rendez-vous au docteur Séverin, un de ses collègues psychiatre qui conteste ses théories, pour lui faire une démonstration de ses découvertes. Opale se rend également au rendez-vous. La police tente d’intercepter Opale au cabinet de Séverin avant l’arrivée de Cordelier mais, une fois arrivés, ils ne trouvent que Cordelier. Séverin est quant à lui mort d’une attaque. Un soir, Joly est alerté par les domestiques de Cordelier qui ont entendu le docteur pousser des hurlements dans son laboratoire. Arrivé chez Cordelier, Joly trouve Opale, qui lui révèle la vérité : lui et Cordelier ne font qu’un. Tourmenté par des pulsions de luxure et de sadisme, le respectable docteur Cordelier s’est lancé dans des recherches sur le Mal et mis au point une potion qui lui permet de prendre une autre apparence pour vivre ses mauvais penchants. Mais à force de transformations, Opale ne peut plus redevenir Cordelier : la dose de potion nécessaire est devenue si abondante qu’elle le tuerait. Joly tente alors de convaincre Opale de se rendre, mais Opale préfère s’empoisonner en buvant la potion.… Sur la fin de sa carrière, Renoir rencontre des difficultés de plus en plus importantes à produire ses films. En 1959, il se tourne alors vers la télévision et la RTF où Le testament du docteur Cordelier sera diffusé avant sa sortie en salles le lendemain. Ici, il revisite le récit de L’Etrange cas du docteur Jekyll et de Mister Hyde de Robert Louis Stevenson paru en 1886 et offre un rôle en or à Jean-Louis Barrault qui se glisse, avec bonheur dans les deux facettes du personnage, jouant le calme d’un praticien respecté et l’outrance violente d’Opale pour permettre au cinéaste d’explorer la dualité humaine, la responsabilité et les limites de la science. Dans les suppléments de ce combo restauré 4K Ultra HD inédit en Blu-Ray et DVD, on trouve Le Testament du docteur Cordelier : la montagne ou la souris ? (42 min), un entretien inédit avec Olivier Curchod, historien du cinéma. La présentation du film à la télévision quelques mois avant sa diffusion (2 mn 35) dans l’émission À vous de juger du 7 juin 1961. Jean Renoir explique son projet (4 mn 03) dans l’émission Reflets de Provence diffusée le 6 juin 1961. Archive INA. Enfin Quelques mots de Jean-Louis Barrault (1 mn 30) dans l’émission Extérieurs Nuits : magazine sur le cinéma, diffusée le 24 janvier 1994. (Rimini éditions)
LE CAPORAL ÉPINGLÉ
En juin 1940, dans un stalag en France, se trouve réunie une équipe de prisonniers particulièrement pittoresques : Caruso, l’électricien, Emile, Ballochet, Pater et… le Caporal. Dès les premiers jours de sa captivité, le Caporal manifeste déjà un trait essentiel de son caractère. C’est un maniaque de l’évasion. Une première tentative, à laquelle participent à ses côtés Ballochet et Pater, ne parvient même pas à dépasser le mur d’enceinte du camp. Ce premier échec ne décourage pas le Caporal et Pater qui referont un essai -toujours manqué- dans le wagon qui les emporte vers l’Allemagne. Et les tentatives continuent ! Un essai de fuite de la fabrique de briques où ils travaillent se termine, pour Pater et le Caporal, aux pieds d’une sentinelle. Décidés à opérer de façon plus « scientifique », les deux amis se préparent des costumes de ville, en teignant en noir des uniformes. L’opposition d’un adjudant les oblige à retarder leur projet et c’est avec Penche-à-gauche que le Caporal prend la fuite. Cette fois, ils parviennent à prendre le train, aidés par une voyageuse qui n’est autre qu’un prisonnier français déguisé. Cette évasion mènera le Caporal un peu plus loin que les précédentes… à la gare suivante, où il se fera encore arrêter. Après un séjour dans un camp disciplinaire, le Caporal persiste dans ses intentions et grâce à Erika, une jeune Allemande, il parvient à se procurer des vêtements civils pour Pater et pour lui. Dans le train qui roule vers la France, l’espoir des deux évadés grandit d’instant en instant. L’irruption d’un homme ivre dans leur wagon va les mettre en difficulté, mais un bombardement providentiel les sauvera. Les voici à la frontière, la France est en vue. En 1962, Jean Renoir signe, avec Le caporal épinglé, son dernier film pour le grand écran même si, dans sa filmographie, on trouve, en 1971, Le petit théâtre de Jean Renoir, une série de quatre sketches diffusés sur l’ORTF avec une petite exploitation en salles en 1975. En s’appuyant sur une belle brochette de comédiens (Jean-Pierre Cassel dans le rôle de Caporal, Claude Brasseur, Claude Rich, Jean Carmet, Jacques Jouanneau, Mario David, Philippe Castelli, Guy Bedos, Cornelia Froboess) et en adaptant le roman éponyme de Jacques Perret paru en 1947, le vieux maître français livre, entre tentatives d’évasion et camaraderie, une bonne chronique tragi-comique sur la guerre et la… liberté.. Cette édition combo restaurée en 4K UHD et inédite en Blu-Ray est accompagnée de suppléments : Le caporal épinglé : une seconde Grande Illusion ? (41 mn) est un entretien inédit avec Olivier Curchod, historien du cinéma. Jean Renoir parle du Caporal épinglé (4 mn 09)est un extrait du journal de 20h du 23 mai 1961. Archive INA. Claude-Jean Philippe présente Le caporal épinglé (4 mn 38) est un extrait de l’émission Ciné-Club diffusée le 28 janvier 1973. Archive INA. (Rimini éditions)
YOJIMBO
A la fin de l’ère Edo, à la fin du 19^e siècle, un ronin (samouraï sans maître) solitaire nommé Sanjuro arrive dans un village écartelé entre deux bandes rivales. Terrorisés, les villageois n’osent plus sortir. Lorsque le cynique et rusé Sanjuro découvre la situation, il décide de mener en bateau les deux clans adverses en travaillant alternativement pour l’un et pour l’autre… Sorti en 1961, Yojimbo (également connu sous le titre Le garde du corps) mêle habilement les genres du jidai-geki (film d’époque) et du film noir pour devenir l’un des plus grands succès d’Akira Kurosawa. Le film se distingue par son humour noir et sa critique acerbe de la cupidité et de la corruption. Kurosawa subvertit les codes traditionnels du film de samouraï en présentant un anti-héros amoral dans un monde dénué d’honneur, tout en conservant les éléments spectaculaires du genre, notamment les scènes de combat chorégraphiées. Acclamé pour sa réalisation innovante et son scénario astucieux, Yojimbo reste l’un des films les plus célèbres et les plus appréciés de Kurosawa, illustrant la maîtrise du cinéaste au sommet de son art. Avec Yojimbo, le maître japonais réinvente le film de samouraïs en lui insufflant l’énergie et les codes du western. Le réalisateur de Rashomon construit un univers à la fois violent, ironique et profondément moderne, porté par une mise en scène nerveuse et un héros aussi charismatique qu’imprévisible, interprété par l’immense Toshiro Mifune. Énorme succès au Japon comme à l’international, Yojimbo deviendra une référence majeure du cinéma mondial et influencera la vague des westerns italiens, notamment Pour une poignée de dollars de Sergio Leone (1964). Présenté pour la première fois dans une restauration 4K Ultra HD, Yojimbo est accompagné de bons suppléments. La naissance du film de samouraïs (45 mn) réunit des souvenirs du tournage par les membres de l’équipe du film, illustrés de nombreuses archives. Le garde du corps (33 mn) est une analyse de Yojimbo et de son héros Sanjuro, réalisée en 2016 par le critique et historien du cinéma Charles Tesson. (Carlotta)
SANJURO
Neuf jeunes samouraïs sont réunis pour célébrer leur victoire. Ils pensent avoir enfin réglé les problèmes de corruption qui gangrènent leur clan grâce à leur alliance avec l’inspecteur Kikui. Ils déchantent rapidement lorsqu’un inconnu leur annonce qu’ils ont été bernés par ce soi-disant allié. En effet, quelques minutes plus tard, Kikui leur tend un piège. Ils ne devront leur salut qu’à l’aide de cet homme mystérieux. Leur candeur et leur naïveté interpellent un samouraï vagabond, expérimenté mais d’une nature terre-à-terre et cynique. Il s’agit de Sanjuro, un ronin aussi fruste que fin stratège, qui décide de les prendre sous son aile… Leur but est de libérer le chambellan du clan, capturé par leur faute. Pour commencer, le petit groupe délivre la femme et la fille du chambellan, retenues prisonnières dans leur maison. Lorsque la femme du chambellan demande son nom au samouraï errant, celui-ci regarde autour de lui et, apercevant des camélias, répond « Tsubaki Sanjuro », ce qui signifie littéralement camélia et trentenaire ; un pseudonyme qui provoque l’hilarité dans le groupe. Après diverses péripéties, Sanjuro -qui a sympathisé avec Hanbei, un homme de main des vassaux corrompus- décide de s’introduire au sein du camp adverse pour découvrir où le chambellan a été emprisonné. Mais la fougue de ses jeunes compagnons va l’obliger à improviser. En 1962, un an seulement après l’énorme succès de Yojimbo (voir ci-dessus), Akira Kurosawa tourne sa suite, Sanjuro, en poussant encore plus loin l’humour et la dimension satirique de son aîné. Le réalisateur de La forteresse cachée poursuit son exploration du film de sabre à travers son personnage de samouraï errant aussi désabusé que charismatique, incarné par l’inoubliable Toshiro Mifune. Avec ses duels fulgurants, ses dialogues mordants et sa mise en scène élégante, Sanjuro déconstruit les codes de l’héroïsme traditionnel pour mieux interroger les notions d’honneur, de pouvoir et de loyauté. Présenté pour la première fois dans une nouvelle restauration 4K Ultra HD, le film propose, en bonus, Des camélias et un duel (35 mn) qui regroupe les souvenirs du tournage par les membres de l’équipe du film, illustrés de nombreuses archives. Le retour du héros ! (Carlotta)
LE HEROS DE BERLIN
Dans le quartier de Prenzlauer Berg à Berlin, Micha Hartung, qui tire le diable par la queue, est le propriétaire du Last Tycoon, un vidéoclub qui n’attire plus guère de clients. Sa vie bascule à l’occasion du 30e anniversaire de la chute du Mur. Alexander Landmann, modeste reporter au magazine Fakt, déboule dans le vidéoclub. Le 22 juin 1984, à la gare de Friederichstrasse, le seul point de passage (ferroviaire) entre Berlin-Est et Berlin-Ouest, un train de banlieue transportant quelque 127 passagers, est passé de la RDA à l’Allemagne de l’Ouest. Tout cela à cause d’un aiguillage qui n’était pas placé dans le bon sens. Or c’était bien Micha Hartung qui, ce soir-là, travaillait à la gare. Landmann, qui a plongé dans les archives de la Stasi, est persuadé de tenir sa grande story. Oui, c’est certain, Micha Hartung est un héros. Le cerveau d’une évasion massive historique de la RDA. Héros malgré lui, Micha va vite comprendre qu’il est perdu. Autour de lui, s’organise un engrenage de semi-vérités et de mensonges éhontés. On l’invite dans un talk-show à la télévision où il est contraint de broder sur son « fait d’armes » en parlant d’un irrépressible besoin de liberté. Pire, le président allemand sollicite Micha pour tenir un discours au Bundestag. Vive un vrai Berlinois, un citoyen sorti de nulle part et qui va porter un message de vérité sur cette période sombre de l’histoire de l’Allemagne. Le cinéaste allemand Wolfgang Becker (1954-2024) n’a tourné qu’une petite poignée de longs-métrages dans sa carrière. Mais il est devenu célèbre en 2003 avec le fameux Good Bye Lenin !. Il renoue ici avec les références à l’histoire est-allemande à travers un soi-disant héros et une épopée fabriquée pour devenir un phénomène médiatique. Le héros de Berlin fonctionne, comme Good Bye Lenin !, autour de la thématique du mensonge. Lorsque Micha est poussé dans ses retranchements, il se défend en expliquant que personne, en réalité, n’a vraiment envie d’entendre la vérité… Si Der Held vom Bahnhof Friedrichstraße (en v.o.) s’offre une love story avec la rencontre de Micha et de Paula, une passagère du fameux train devenue procureure, le film vaut essentiellement pour la manière dont Becker développe un thème qui lui est cher : le combat d’un perdant, d’un type tout à fait ordinaire et malchanceux, contre la folie du monde. Avec son côté « paumé », Charly Hübner incarne parfaitement Micha Hartung, citoyen lambda, qui a eu la bêtise de mettre le doigt dans un engrenage infernal. Commence alors un grand barnum qui ne s’arrêtera que lorsque les projecteurs se tourneront rapidement vers une prochaine victime… (Blaq Out)
THE LAST VIKING
Cambrioleur endurci, Anker sort de prison après une peine de quinze ans et veut récupérer sa part du butin lié à un braquage de banque, soit quelque 20 millions, cachée par son frère Manfred. Cet homme est au-delà du spectre de l’autisme. Autant dire qu’il a oublié où il a caché le magot… Le parcours des deux frères les ramène dans une maison où ils vécurent enfants, devenue un Airbnb tenu par un couple dysfonctionnel. Les problèmes ne font que commencer avec l’arrivée de Flemming, une grosse brute qui veut plus que sa part sans quoi il va frapper. Manfred ne veut pas (ou ne peut pas) dévoiler la cachette et, de plus, il répond désormais au nom de John car il se prend pour le Lennon des Beatles. Anker n’est pas au bout de ses peines… Pour aider Manfred à retrouver la mémoire, Anker suit la suggestion d’un psychiatre : plutôt que de combattre cette identité, il faut entrer dans son délire. Ils réunissent donc des patients qui se prennent pour les autres Beatles et tentent de reformer le groupe… Dire que Anders Thomas Jensen a une folle imagination est un euphémisme. Connu dans son pays pour des films réussis comme Lumières dansantes (2000), Les bouchers verts (2003), Adam’s Apples (2005) ou Riders of Justice (2020), le cinéaste danois appartient, comme Thomas Vinterberg, Nicolas Winding Refn ou Susanne Bier, à la vague danoise qui a pris son élan au milieu des années 1990. Ici, avec Nikolaj Lie Kaas (Anker) et la star Mads Mikkelsen en Manfred perruqué, il signe une comédie noire et loufoque qui commence comme un film de braquage et se poursuit en drame familial. Avec un humour burlesque, il raconte un parcours chaotique pour tenter de remettre la main sur le butin et qui va devenir, sur un ton plus grave, une histoire de frères, d’identité et de traumatismes. Car la relation d’Anker et de Manfred est marquée par une enfance traumatisante et par la violence de leur père, le brutal viking.… L’enjeu est bien alors de se reconnaître comme frères pour affronter, chacun à sa manière, les blessures de leur enfance. Etonnant. (Blaq Out)
NOTRE HISTOIRE – CHRONIQUES DU CAIRE
Dans l’Egypte de 1967, le raïs Gamal Abdel Nasser chante la Grande nation arabe mais, dans l’appartement encombré de sa famille cairote, Ahmed Ragheb, pianiste obstiné, ne rêve que de grande musique. Mais difficile de s’imposer entre un père, des parents, des voisins qui ne jurent que par le football et qui se désolent de voir leur club favori de Zamalek passer à côté de tous ses matches. Un jour, Ahmed reçoit une lettre en provenance d’Autriche. Liz a répondu à son annonce pour devenir sa correspondante. Autour de lui, on lui conseille de se méfier de cette… espionne. Mais Ahmed n’en a cure. Il rêve de rencontrer cette correspondante et découvrir Vienne, la capitale de la musique classique. Qui sait, le pianiste du Caire pourrait bien y faire carrière. Le troisième long-métrage du réalisateur austro-égyptien Abu Bakr Shawky est une allègre tragi-comédie qui plonge dans l’Egypte de Nasser au moment de la Guerre des six jours pour se poursuivre à l’ère de Sadate, père de la Nouvelle nation et s’achever au temps de Moubarak. Le tout à travers le prisme d’une trépidante famille au coeur de laquelle Ahmed soupire et rêve d’être « juste une fois du côté des gagnants ». Même si le cinéaste s’amuse à grossir parfois le trait, on prend plaisir à côtoyer ces gens qui gueulent, s’engueulent mais s’aiment plus que tout. Dans cette chaleureuse évocation de la société égyptienne, on vit les rêves contrariés, les conflits, la passion dévorante du football, le chaos familial et les petites victoires arrachées au destin. Aux accents d’Oum Kalthoum (qui chantait « Prends ma vie entière mais aujourd’hui laisse-moi vivre ») ou du chant patriotique el Watan el Akbar composé par Mohamed Abdel Wahab, Notre histoire… déroule un flux constant de vie et de joyeux chaos, bien rendu par le mouvement incessant de la caméra. Dans un look qui renvoie au cinéma populaire égyptien des années 50/60, l’utilisation des gros plans permet de montrer l’exiguïté des lieux et le nombre des personnages qui s’y tiennent. Dans le chaos, les cris, les voix fortes, l’énergie débordante, Liz et Ahmed construiront leur vie. Et ce dernier pourra dire : « Tout s’est bien passé finalement ». (Blaq Out)
LE CIMETIÈRE DE LA MORALE
Ecorché vif , le yakusa Rikio Ishikawa verse systématiquement dans la violence. Apres des incidents avec d’autres clans qu’il a provoqué, il est mis de coté par son clan. Durant cette période, il va rencontrer sa compagne et tombera dans la drogue. Sa descente aux enfers s’accélère alors… Rarement un film n’aura aussi bien porté son nom ! En 1975, le réalisateur Kinji Fukasaku plonge dans le Japon de l’après-guerre pour raconter la trajectoire aussi fascinante que terrifiante d’un yakuza dont la violence et les excès semblent avoir définitivement enterré toute notion de morale ou de loyauté. Cette histoire n’est pas née de l’imagination du cinéaste. Le film s’inspire de la vie bien réelle d’Ishikawa, à travers le récit de l’écrivain Fujita Goro. Lui-même ancien membre des yakuzas, il est l’auteur de romans qui ont également inspiré la saga Le vaurien. Attaques contre son propre chef, meurtre d’un frère d’armes, bannissement de Tokyo, addiction aux stupéfiants, puis suicide en prison à 30 ans, Rikio Ishikawa aura connu une existence mouvementée, brutale et autodestructrice. L’acteur Tetsuya Watari (Le vagabond de Tokyo) l’incarne avec une intensité saisissante. Le cimetière de la morale dynamite les conventions du yakuza eiga traditionnel: Ishikawa ne respecte aucune règle et transforme son propre clan en champ de bataille. Le cinéaste pousse à son paroxysme cette déconstruction qu’il avait amorcée avec Okita le pourfendeur et poursuivie avec Combat sans code d’honneur. Loin des figures de gangsters attachées aux valeurs traditionnelles du milieu, Fukasaku filme des individus incontrôlables, guidés par l’instinct de survie, la violence et leurs pulsions destructrices. Cette volonté de rompre avec les conventions du genre se retrouve aussi dans la mise en scène du film avec caméra portée, zooms fulgurants, montage nerveux, arrêts sur image, images d’archives et inserts documentaires. En s’appuyant sur un destin réel, le film brouille les frontières entre fiction et documentaire, et transforme le parcours de ce criminel en une plongée fiévreuse au cœur d’une période où les anciens repères ont volé en éclats. Le cimetière de la morale, jusqu’ici inédit en Blu-Ray en France, est présenté dans une belle édition, accompagné d’un livret de 36 pages, d’une affiche du film et de reproductions de photos d’exploitation. Dans les suppléments, on trouve notamment un document inédit sur le film par Stéphane du Mesnildot, spécialiste du cinéma asiatique. (Roboto Films)
COMÈTE
Alors qu’une comète brille au-dessus de Paris, Boris, tout juste sorti d’hôpital psychiatrique, sillonne la ville avec son ami Albert, guide touristique dans les camps de concentration de Pologne, dont le moral « n’était déjà pas fou fou avant » ce job.. Anna retrouve son père, qui ne s’est jamais occupé d’elle. Lila deale pour le compte de son frère. Un jeune homme un peu paumé, tueur à gages à ses heures, tombe amoureux. Une journaliste chronique la vie de son quartier, où erre un fantôme solitaire. De près ou de loin, tous ces personnages gravitent autour d’une troupe de théâtre qui répète Les trois sœurs, la pièce d’Anton Tchekhov. Remarqué en 2020 avec Médecin de nuit dans lequel jouait déjà Vincent Macaigne, Elie Wajeman organise un film choral en forme de chronique parisienne intimiste sur les rencontres, le hasard et les destins qui se frôlent. Pour mettre en scène une vingtaine de personnes, le cinéaste estime qu’il n’y a que deux solutions : « La première, classique, c’est de réunir les personnages dans un même lieu : un enterrement, un mariage, une bande de copains dans une maison. La seconde consiste à faire s’entrecroiser des récits (…) jusqu’à ce que l’ensemble forme un tout. » Ce tout , mis en scène en peu de temps et avec un budget de moins de 100 000 euros, donne un mélange curieux et agréable de comédie dramatique, de film noir, de conte et de théâtre filmé. Le chassé-croisé des personnages repose sur un ribambelle d’acteurs. Autour de Vincent Macaigne dans le rôle d’Albert et de Sarah Le Picard, présente dans tous les films de Wajeman, les stagiaires de l’atelier de Cinemasterclass, l’organisme de formation qui produit également le film, sont tout à fait dans le ton. Voilà, dans une toile d’araignée de destins croisés, une belle galerie de portraits intimistes qui, comme le dit un personnage, s’interroge sur « comment font les gens avec la vie »… Attachant ! (Blaq Out)
UN CHAMP DE FRAISES POUR L’ÉTERNITÉ
Dans un camping au bord d’un lac, quelques habitants installés à l’année apprennent qu’ils vont devoir partir : le lieu doit bientôt être transformé en base nautique. Au cœur de cette communauté menacée, Radio Pomski, animée par Serge, rassemble des personnages cabossés par la vie. Leurs histoires d’amour, d’amitié et leurs rêves s’entrecroisent tandis qu’ils tentent de préserver leur lieu de vie et de garder espoir. Car Radio Pomski livre sa dernière bataille. Cultissime radio locale, l’antenne devient le cœur battant d’une communauté où se mêlent destins ordinaires et extraordinaires, tentatives de bonheur, et certitude fragile. Ensemble, tous ces êtres veulent croire que tout n’est pas encore perdu. À sa manière, chacun essaie de sauver bien plus qu’un lieu : une certaine idée de l’amour et de l’amitié… Alain Raoust distille un drame intimiste marqué par une belle délicatesse. Le cinéaste français s’intéresse moins aux grands événements qu’aux émotions silencieuses d’une petite communauté solidaire, aux liens humains, aux rencontres, aux blessures, aux espoirs et à ces instants qui bouleversent une existence. Avec un profonde humanité et une mise en scène emprise de pudeur, le réalisateur livre un film choral, conçu comme la face A d’un album dans lequel chaque personnage a son titre… A la fois politique et poétique, le film emprunte autant aux codes de la comédie, du drame, du western que du conte ou de la fable. Porté par des comédiens de talent comme Philippe Rebbot, Florence Loiret Caille, Gregory Montel, Kim Higelin, Quentin Dolmaire, Oussama Kheddam ou Estelle Meyer, Un champ de fraises… est un récit sobre, volontiers contemplatif et touchant. (Blaq Out)
IN WAVES
A Los Angeles, AJ, lycéen discret passionné de skateboard et de dessin, rencontre Kristen, qui adore le surf. Ils tombent amoureux et partagent peu à peu leur quotidien et leur goût pour l’océan. Leur histoire d’amour est bouleversée lorsque Kristen est atteinte d’un cancer des os. Mais les deux adolescents vont tenter de traverser l’adversité grâce à leur amour. Film d’animation franco-belge mis en scène par Phuong Mai Nguyen, In Waves est adapté du roman graphique autobiographique du même titre d’AJ Dungo paru en 2019. Premier long-métrage de la cinéaste, le film a été présenté en « séance spéciale » à l’ouverture de la Semaine de la critique au Festival de Cannes en mai dernier. Il suit la manière dont AJ et Kristen vont affronter l’épreuve de la maladie, soutenus par leurs proches et par leur amour commun du surf. Phuong Mai Nguyen a élaboré l’ensemble de la bible graphique de cette romance adolescente et en a assuré la direction artistique, tandis que l’écriture du scénario a été confiée au couple Fanny Burdino et Samuel Doux. Le film adopte une technique hybride mêlant animation 2D et 3D, avec un rendu final texturé en 2D, choix motivé par la volonté de restituer avec ampleur les mouvements de l’océan et les scènes de glisse. Une belle histoire romantique et mélancolique d’amour, de mémoire, de maladie et de deuil, avec l’océan et le surf au cœur du récit. Dans les suppléments, on trouve InMotion, le making of réalisé par UniFrance ainsi que Cher Max, un court-métrage de Phuong Mai Nguyen. (Diaphana)
L’AVENTURE RÊVÉE
Archéologue revenue mener des fouilles sur un site médiéval dans sa région d’origine, à la frontière entre la Bulgarie, la Grèce et la Turquie, Veska croise par hasard Said, un vieil ami et ancien amoureux. Ils imaginent ensemble des façons de s’entraider dans leurs entreprises du moment : ses fouilles près d’une forteresse voisine dans le cas de la première et dans le cas du second, des opérations bien plus obscures et vraisemblablement louches impliquant l’achat de diesel volé, peut-être destiné à une usine qu’il supervise. Said semble avoir un passé et des relations chargées d’animosité avec une bonne partie des mafieux du coin, notamment avec un jeune ambitieux surnommé « Le Corbeau » et avec Illiya, plus établi, dont l’existence réunissant confort domestique et crapulerie évoque un Tony Soprano bulgare. Quand Said disparaît sans explication, Veska, par loyauté, se lance dans sa propre mission rétrospective, dans cette région où elle a grandi et où elle s’est forgée sa boussole morale, dans l’espoir d’éclairer le sort de Said, voire de le retrouver sain et sauf… En compétition officielle à Cannes 2026, le drame réalisé par Valeska Grisebach a été couronné du prix du jury. C’est déjà sur la Croisette, en 2017, dans la section Un certain regard, qu’on avait découvert Western, le précédent long-métrage de la cinéaste allemande, qui se passait lui aussi aux confins de la Bulgarie et de la Grèce. Avec des airs de polar et de western, Das geträumte Abenteuer (en v.o.) met en scène une héroïne qui résiste à un milieu dominé par les hommes. Pour la cinéaste, c’est l’occasion d’explorer à l’écran, certaines interactions complexes entre les êtres et les capitaux dans des lieux reculés, mais qui n’en possèdent pas moins un riche héritage, ce qui en fait aussi, hélas, des territoires très susceptibles de se faire exploiter. Si l’intrigue est volontiers embrouillée, la toile de fond du film, autour d’une scientifique d’âge mûr (l’actrice non-professionnelle Yana Radeva) mérite l’attention avec des personnages qui, dans ce coin, dominaient les affaires au moment du passage à l’économie capitaliste et qui, lorsque cela a échoué, se sont tournés vers le crime organisé et sont mis à nourrir des desseins sinistres vis-à-vis des femmes de la région. (Blaq Out)
INSECT !
Un vieil homme se blesse en touchant une plante inconnue appartenant à une amie. Pris de malaise, il est transporté à l’hôpital le plus proche, où l’on diagnostique une infection d’origine inconnue. Après de violentes convulsions, il expulse une énorme larve qui se transforme en insecte géant. Dans le sillage d’Alien et La mouche, Insect ! mise sur une menace inattendue qui transforme un hôpital en terrain de chasse. Mais son principal atout reste sa créature, conçue avec des effets spéciaux traditionnels. Pendant trois mois, l’équipe de Sirius Effects a étudié les insectes pour imaginer un monstre hybride mêlant tête de guêpe, yeux de libellule, abdomen de scorpion, dos de coléoptère et bras de mante religieuse. Haut d’environ trois mètres, l’insecte prenait vie grâce à un costume en latex et à des appendices télécommandés, manipulés par plusieurs techniciens. Pour renforcer l’angoisse du film, le réalisateur William Fruet et le directeur de la photographie Brenton Spencer jouent sur les ombres, les silhouettes, la fumée et les éclairages sombres, dévoilant la créature par fragments plutôt que de la montrer constamment. Le choix d’un ancien complexe hospitalier de Toronto, avec ses couloirs et ses vastes espaces industriels, contribue lui aussi à l’atmosphère inquiétante du film. Quelques touches d’humour viennent ponctuer cette course-poursuite horrifique et participent au charme de ce film d’horreur typique des années 80. « C’est probablement mon film d’horreur préféré parmi ceux que j’ai réalisés. Il a été tourné avec très peu d’argent et cela lui donne un certain charme. » Le cinéaste résume l’esprit de ce film d’horreur canadien réalisé en 1987, qui sort pour la première fois en DVD et en Blu-ray, dans une édition combo accompagnée d’un livret et qui renoue avec le goût des années 80 pour les créatures monstrueuses et les expériences incontrôlables. (Rimini éditions).